Todo el Mundo quiere al AbueloCine

Las 10 Mejores Películas del 2011

2011-12-27T12:14:00.001-03:00

Vuelve el Ranking del Abuelo Cine.

10. MARGIN CALL

Sostenida durante una noche, en un escenario casi único ycentrada en la forma de reaccionar de cada uno de los que van surgiendo, sinmás información para aportar a lo largo de sus minutos que la ya dada alinicio, no deja, a pesar de ello, de mantener la tensión y de calar muyhondo en el espectador, ya sea porque el sentir de los personajes setransmite con eficacia, gracias a espléndidas interpretaciones, o porquenos hace retomar el enfado y temor ante el mundo en el que vivimos.

Chandor, que también haescrito el guion, nos ofrece todos los puntos de vista para no crear unpanfleto facilón y carente de capacidad denunciadora precisamente porinclinarse demasiado en una opinión. A este autor le interesan más las personasque retrata que el mensaje que, no por ello, queda en modo alguno alterado

9. MONEYBALL

Pitt es la enorme fuerza motora de la narrativa, apareciendo prácticamente en todas las escenas. Suactuación es efusiva ydinámica, con una actitud que quizás nose asemeje al verdadero Beane, pero que en pantalla cumple con el propósito deganarse el respeto y la empatía del público. Hill, por su parte, ofrece unainterpretación que continúa destacando su crecimiento histriónico conpapeles que distan mucho del arquetipo del chico grosero que parecía se le ibaa quedar pegado al principio de su carrera. Callado, calmado y con unaexcelente química con Pitt, sus parlamentos juntos están entre las mejores dellargometraje.

La dirección de Miller, su primer “turno al bate”desde Capote (2005) es muy acertada y se complementa porla ágil edición quehace uso de visuales de los verdaderos Atléticos cuando lo encuentra necesariopara recordarnos que esta historia, con todo y las libertades artísticas queseguramente se toma, se basa en una realidad.

“Resulta difícil noromantizar el béisbol”, repite en varias ocasiones enpersonaje de Beane a lo largo del filme, y ciertamente lo es. Incluso paraalguien como este servidor, que no sigue el deporte y podrían importarle

8. SUPER 8

Del primer al último fotograma, hay pasióncinéfila, conocimiento de causa y, sobre todo, compromiso con el factor humano.En este sentido, el prólogo es modélico: una lección magistral

Hay en 'Super 8' de todo, y casi todo esatractivo. Abrams consigue hacer parones de melodía que saben a gloria y, sobretodo, que no importunan el ritmo del relato, que a ratos es fascinante. Unpopurrí retro de monstruos con corazón de niño, un prodigio de imparableimaginación. Esta película, una auténtica belleza, te hechizará. Pon 'LosGoonies', 'E.T.', 'Encuentros en la tercera fase' y 'La guerra de los mundos'en la batidora de 'Gremlins' - y transporta la mezcla a 1979 en el DeLorean de'Regreso al futuro'- y tendrás el 'Super 8' de J.J. Abrams

Abrams tiene un estilo particular, que consisteen crear un gran Mcguffin (ese elemento que parece el centro de la historiapero que no es más que una excusa para hablar de algo más profundo). ElMcGuffin se llamaba "humo negro" en Perdidos, "monstruo" enCloverfield y no diré su nombre en esta historia, pero lo cierto es que noimporta.

7. TREE OF LIFE

Incluso para los estándares de Malick, 'The Treeof Life' representa algo extraordinario, es su trabajo más simple y másdesafiante, el resultado es arte en el cine en su grado más puro. Essimplemente algo que no puedes ver en otro lado: profunda, idiosincrática,sincera y mágica; la confirmación de que el cine puede aspirar a arte.

Inspirador, casi inabordable, complejísimo,hermoso, trascendental poema en imágenes, una obra que queda para la historiadel cine desde ya.

Malick volvió a desmarcarse entregando otrasinfonía. Pero no de cine clásico, sino del suyo particular, delextraordinario, pues el norteamericano es el único director del mundo quecoloca la cámara en el lugar donde reposa la belleza y la empuja con la yema delos dedos de un poeta.

Malick no se vende. Cualquiera que conozca unpoco la obra del realizador podrá decir lo que quiera. La ambición del directoracá era tremenda, no quería una simple cinta sobre la vida, quería que suhistoria fuera la vida misma, su esencia y forma natural.

6. 13 ASSASINS

Lo que puede parecer un sabio ejercicio de estilose transforma en la restitución de un género. El largo clímax que enfrenta abuenos y malos es, huelga decirlo, una lección de cine. Baña decontemporaneidad los ecos de Kurosawa, a través de su lenguaje inmersivo y supaleta cromática manipulada digitalmente. Un tour de force menos clásico de loque parece a primera vista

Thirteen Assassins como indico en el título es supelícula más madura, remake de la película de 1963 y un claro homenaje a los 7 samuráisdel gran maestro Akira Kurosawa. Entre sus similitudes, está la organización dela historia que si bien en la referencia teníamos tres partes, aquí son dospartes, una parte dramática donde nos ponen en antecedentes y nos sumen en esavorágine de acontecimientos en el contexto del fin de la era Edo, para cristalizaren su final más violento.

En una época donde una serie de elementos están ala orden del día y que se repiten de manera sistemática como si de unaproducción en cadena se tratase, véase desmembramientos, ralentizaciones,efectos blur. Miike apuesta por un corte más clásico un acierto sobresaliente yque sorprenderá en especial a sus detractores.

13 Asesinos es un ejercicio de clasicismo ysobriedad narrativa, amén de una espectacular reconstrucción histórica de laépoca edo, tan visitada por Kurosawa y otros autores en las décadas 40-60, perotambién es un ejemplo mágnifico de un cine de acción con una profundidad en la psicologíade los personajes y un tratamiento de la violencia que recuerda al granPeckinpack.

5. ATTACK THE BLOCK

Energía, sentido del espectáculo, humor feroz y,lo más importante, sentido lúdico a pleno rendimiento. Lo más admirable de lapelícula es la velocidad con que se desarrolla el conflicto, el modo en quesaca partido de la pobreza de medios, el sentido del humor con que caracterizaa los personajes secundarios es cine popular del auténtico

Joe Cornish, ante la huida de Edgar Wright aproducciones made in USA, parece haber cogido el relevo inglés de larevisitación cómica por la vía del homenaje iniciada en “Zombies party” y “HotFuzz” y dar más brío a la Serie B de “Evil Aliens”, “Feast” y “Demons 2”, bajola mirada de formulas mainstream ochenteras en la onda “Gremlins”. De hecho suspropios protagonistas no saben dónde ubicar a las criaturas amenazantes caídasdel cielo utilizando referencias potterianas, tolkianas o cinematográficas. Esadespreocupación por el entorno y la amenaza queda inicialmente expuesta en queestán más inquietos por aquello que puedan ganar frente a si van a sobrevivir.

Acertadísima en el tono y más aún en su ritmo:ochenta minutos que se pasan volando y en los que se nos implica sinposibilidad de escape. El notable trabajo realizado por su reparto (no esperéisver a Nick Frost más que unos minutos, tiene un cameo muy limitado) aportasolidez a una historia tan sencilla como el mecanismo de un W.C.. Supervivenciabien diseminada (y musicalizada) en un guión cargado de referencias einteresantes personajes representados por pandilleros portando armasimprovisadas: katanas, cuchillos, navajas o bates de béisbol. Todo vale: sonellos o esa suerte de lobos-gusiluz venidos del espacio exterior.Afortunadamente aún queda un hueco en la pandilla pensado para cualquierespectador con ganas de pasárselo bien. Así que no dudes: el viaje merece lapena.

4. RISE OF THE PLANET OFTHE APES

Explota como sugerente y sugestiva bombavisual revolucionaria y guerrillera, con un tramo final donde el simbólico GoldenGate se convierte en campo de batalla con el homo sapiens haciendo frentea un durísimo rival en forma de escuadrón de primates pasadísimos de rosca… conrazón.

Rupert Wyatt ha sabido resetear el concepto conideas frescas y darle trascendencia a un material que se prestaba al ridículo oel delirio psicotrónico

Está muy claro desde el principio dónde se dirigeesta película, pero su modo de llegar allí es audaz, violento y desasosegante conun apabullante clímax y enlace para la próxima entrega.

3. RANGO

Una exuberante y audaz carta de amor al spaguettiwestern, enmascarada como unos dibujos infantiles. Y funciona deliciosamente enambos niveles. ‘Rango' es una especie de milagro: una comedia animada paraespectadores inteligentes maravillosamente hecha, con un gran apartado visual,perversamente satírica y (¡por fin!) rodada en glorioso 2-D

Una de las más extrañas -y fascinantes-producciones de animación digital surgidas al margen de Pixar,interesante debut de Igor Verbinskien el género animado. El director de la archiconocida saga de Piratas delCaribe se ha sacado de la manga un “Camaleónico” Western (nunca mejor dicho) depeculiar sentido del humor y fastuoso apartado técnico.

Las referencias al cine de John Ford y SergioLeone son evidentes, hay momentos de puro western, momentos conmovedores,situaciones delirantes, romance y por supuesto, todo ello bajo un marcado tonode comedia ácida.

2.WARRIOR.

Retomala senda dramática-atlética de Rocky, esta vez situado en el mundo de las ArtesMarciales Mixtas (MMA), se trata finalmente de una auténtica película de género, un filme de boxeo de la viejaescuela. Pero está mezclada con un relato de artes marciales y, como tal, es lamejor película de artes marciales mixtas que se haya hecho nunca

La película posee una elevada carga dramática quese hace patente desde el principio, el relato funciona en todos los niveles de una historianetamente masculina, aunque a mitad de película cuando se hacen más frecuenteslos combates se nota un descenso en ese aspecto, para resucitar con más fuerzaen el tramo final.

La clásica historia norteamericana de sufrimientohacia el éxito se hace doblemente patente en esta ocasión, la comparación conThe Figther es inevitable, pero esta cinta se sostiene en el reparto por sobreel notable despliegue particular anterior.

Nota aparte la banda sonora, en lo particular “TheNational” es una banda favoritas, y el cierre que brinda a la cinta lo eleva alo coral, a lo cercano al drama de la opera. Simplemente notable.

1. 1. DRIVE

Ryan Gosling como un conductor solitario,anónimo y parco en palabras que, como los violentos héroes del western y losthrillers de los 60 y 70, siempre está de paso, intentando no implicarse en lavida de los demás, hasta que ocurre algo y se ve obligado a actuar, desatandoun baño de sangre. No nos dejemos engañar por el título, “Drive” no se trata deuna película centrada en persecuciones, aunque hay estupendas secuencias concoches, en las que prima más la tensión, la sorpresa y la emoción que laruidosa espectacularidad. Es una clara apuesta por un cine de acción de lavieja escuela, directo y contundente, con la inspirada subtrama romántica paraprovocar el cambio en el protagonista, pero esto no significa que se descuidenlos personajes. En realidad es uno de los puntos fuertes, un abanico depersonajes arquetípicos construidos con inteligencia y humor, que cobran vidaen manos de un elenco acertadísimo;

"Drive" es un festival para lossentidos, con ese tufillo de filme de culto con aires de independiente ypersonal, gracias al sello de su especial director, que no duda en utilizar lacámara lenta para subrayar situaciones clave, estados de ánimo de lospersonajes e instancias de enorme suspenso, acompañadas por canciones quefuncionan a la perfección, remarcando "Night call" deKavinsky & Lovefoxxx en los títulos de inicio, luego de un intenso prólogode 10 minutos, y el track "A real hero" de College &Electric youth, que acompaña el final y los créditos de cierre.

Review: "SUPERJAIL" (2011)

2011-05-07T13:59:00.007-03:00

Barroco, hiperagresivo, grotesco... Pero lleno de vida.

Superjail es otro balbuceo de creatividad cruelmente arrojado del vientre de Adult Swim, cuyas producciones se encuentran acostumbradas a lanzar beligerantes productos de animación, joyas actuales desconocidas, de las cuales, estoy seguro, llegará su enorme momento de gloria en un instante más temprano que nunca.

Dentro de las obras reconocidas de Adult Swim se encuentran (The Venture Bros, Moral Orel, Superjail, Eagleheart y otros)

Superjail es un frenesí de animación, amparado en un sistema carcelario ultramoderno dirigido por The Warden, una suerte de alcaide tipo Willy Wonka con problemas de consumo de psicotropicos. En dicha cárcel funciona un submundo irreal de particularidades sin cabeza que van desde un guardia transexual, gemelos con poderes especiales, una pareja de presidiarios homosexuales, un doctor carnicero, etc.

El mayor defecto de Superjail es su duracion. Breves entregas de 10 minutos de maravillosas y delirantes historias. Alguna vez lei que ver Superjail era similar a conocer ' Mil y una maneras de morir', puesto que el descarnado espectaculo de masacre mediante el cual Jailbot u otro evento se deshace de los reos termina siendo absolutamente dantesco. Gore, humor, incorreccion...

Pero del bueno. 10/10 reosdecapitados awards

Review: Bob's Burger (2011)

2011-04-10T13:06:00.001-03:00

Escribo sobre este pedazo de comedia antes de que los rumores de cancelación se hagan cierto (aunque fuerte son los rumores también de una second season).

Esta serie nueva de Adult Swim, no tiene nada de especial que la haga una joya entre sus pares, es más posee muchos elementos de series de familias promedio (Los Simpsons, Family Guy, etc), pero lo que a modo muy personal la hace distinto es lo mucho, pero mucho, que se parecen los personajes a la familia de este humilde escritor.

Aquella demencia familiar presente en todos los personajes se encuentra tan presente en mi familia, que me hace botar risotadas de identificación únicas. Y no solo se parecen en su personalidad, sino que presentan ciertas semejanzas que hacen dudar de la originalidad de su autor, pues muchas veces creo que existen cámaras en mi casa, pues, por ejemplo, Bob es igual que Linda, gritona con una voz única y con salidas tan, pero tan, peculiares que dudarían de su lucidez mental.

Por útimo, los hermanos, los 3, son el resumen de la demencia de las conversaciones que sostenemos entre yo y mi hermano, con muchos gritos y expresiones sin sentido. Bob Burger, sin ser una gran serie presenta personajes muy frescos y diálogos aún más refrescantes. Los tres hermanos refieren a la generación actual, una juventud sin rumbo, demente, pero buena onda.

Recomendada para aquellas mandíbulas ligeras ansiosas de botar una simple carcajada y pasar un buen rato.

Calif: 7/10

Reseñas a la Rápida: "127 Hours" (2010)

2011-01-09T20:46:00.002-03:00

En la tradición del cine claustrofobico, y de las historias centradas en la capacidad de un solo actor, arriba la interesante y dinamica apuesta de Mr. Boyle, "127 hours". Narración que surge de la adaptación de un caso de la vida real de Aron Lee Ralston, el escalador que se vio obligado a tomar drásticas medidas al quedarse atrapado al interior de unas grietas en un cañon aislado en Utah, con poca agua y comida.

La esencia de la cinta no reside en el hecho de que el protagonista se encuentre atrapado, sino en su apasionante viaje interno que reside en las culpas y responsabilidades que decaen en su persona. El mensaje de "127 Hours" es un mensaje de vida, de elegir luchar y de mirar hacia adelante aun cuando los obtaculos sean gigantes. James Franco logra cautivar a la audiencia aún en sus momentos más lunaticos, el carisma de su personaje y la entereza mental con la que decide enfrentar su situación lo hacen un personaje entrañable del 2010.

Por último, agradecemos a Boyle y su interés por brindar un producto que juega con lo amigable y dinamico, pues el relato no deja de ser agobiante y angustiante, pero en las manos del director logra convertirse en una narración fresca y fácil de seguir.

Recomendable cinta. Calif: 7/10

Ranking: LAS 10 MEJORES PELICULAS DEL 2010

2010-12-27T17:54:00.005-03:00

Ranking elaborado a partir de peliculas que llegaron a Chile a la fecha.

10. “Easy A”(2010)

Refrescante comedia para un insípido año 2010 en materia de comedias. Esta cinta posee una personalidad propia, se alimenta de muchos lugares comunes pero se individualiza en la protagonista, Emma Stone, quien sorprende con su calidez y desplante, interesante actriz para poner un ojo encima este 2011. Comedia inteligente que juega en el limite del doble sentido pero nunca cae en lo chabacano. Un soplo de juventud, en un 2010 en extremo repetitivo en cuanto a humor en el cine.

9. “How to Train Your Dragon” (2010)

La entrega de Dreamworks no solo sorprende por su energía y desplante, a lo cual ya nos tenía acostumbrados, sino también por la construcción de un relato que funciona en muchos niveles literarios y de composición. La clásica historia de “muchacho-conoce-animal-y-lo-domestica” adquiere una fresca reinterpretación en la historia del desgarbardo Hipo, hijo del jefe vikingo de la aldea, quién demasiado débil y demasiado inteligente para seguir las tradiciones de batalla nordicas escapa, encontrándose frente a frente con un dragón a quien auxilia y cura. El resto de la historia es predecible, pero no por eso menos atractivo.

La propuesta gráfica es notable y con muchos detalles. Las escenas aéreas le brindan mucha fluidez y velocidad a una cinta de grata sorpresa durante este año, cuya mayor virtud es saber utilizar los atributos técnicos y de guión que posee.

8. “Shutter Island” (2010)

Que Leonardo di Caprio aparezca dos veces en este ranking no es coincidencia. La selección de papeles en los que decide participar se eleva al nivel de la excelencia, Shutter Island cumplía con ese rol, no solo por la tentación de ver a Scorsese haciendo un thriller psicológico, sino por la desquiciada idea que corre detrás del guión un investigador privado mentalmente alterado como a quienes investigas, residentes del manicomio de Shutter Island.

La fotografía de la cinta es de lo mejor del año, a la altura de “Inception”. Efectos especiales correctamente utilizados y música de apoyo ejecutada a la perfección. Lo mejor de Shutter Island es que es una de esas películas que uno se ve obligado a verlas nuevamente, pues es la única manera de atar cabos sueltos que quedan en el camino. Enviciante desde la primera escena, es imposible detenerse hasta devorar el final.

7. “The Town” (2010)

Una cinta de bandas delictivas de las buenas. Con todos aquellos elementos sabrosos que perduran en la historia, buen reparto, buenos diálogos, buena historia. Reúne aquellos factores que mira la Academia al momento de tomar en cuenta los nominados año tras año. El filme de Affleck hace bien su pega, narrándonos un cuento de policías y ladrones anclados en tradiciones familiares y sin sabores del “rubro”.

Muy bien logradas escenas de tiroteos y de acción, la actuación de Jeremy Renner es nuevamente notable. A ponerle un ojo.

6. “Buried” (2010)

Rodrigo Cortés se las manda. Su recién segunda cinta es una apuesta muy atrevida, pues la historia transcurre dentro de un ataúd donde un norteamericano permanece encerrado y enterrado bajo tierra. La idea de un argumento centrado en un solo personaje no es nueva ni tampoco pretende serlo, lo nuevo acá es lo bien que uno encaja con la historia. La clave es jugársela por la historia, asumir el cuento de que Ryan Reynols se encuentra capturado a bajos metros del suelo y puede comunicarse efectivamente por celular con sus secuestradores.

El filme no solo es angustiosamente claustrofóbico sino que relatado con una inusitada agilidad y dinámica que por instantes te olvidas que toda la vida de la película pasa dentro de una caja. Los últimos minutos de la cinta son chocantes, dramáticos, emotivos… con un final que deja con un terrible sabor a desesperación y angustia, que oprime irremediablemente el pecho.

5. “Scott Pilgrim Vs The World” (2010).

La adaptación del retrato generacional que resulta ser los 6 tomos de la novela gráfica de Scott Pilgrim, se encontraba ante un gran desafío, la reciente fanaticada que devora los comics de Brian Omalley. No todos quedaron conformes con la entrega al cine llevada a cabo por el talentoso Edward Wright, yo no pertenezco a ese grupo. Es cierto, existen cambios, cortes y omisiones en la cinta, pero que son ampliamente justificados por los recursos visuales aprovechados a la perfección por el equipo de edición y por el giro humorístico que se priorizó dar al filme.

Michael Cera se mueve a la perfección en el papel de Scott, un veinteañero amante los videojuegos y despreocupado por la vida, y ese quizás es uno de los puntos más fuertes que tiene esta cinta. Su casting es tan meticuloso que cuesta pensar en otro actor en el panorama hollywoodense que podría haber llevado a cabo los papeles designados, el acierto en el reparto es contrarrestado con algunas escenas y diálogos comprensibles para los amantes del comic. Aún así, “Scott Pilgrim vs The World” estruja al máximo todos los recursos que posee, y además posee una banda sonora seleccionada con pinzas. Notable.

4. “The Social Network” (2010)

Fiel retrato de nuestra idiosincrasia actual. Si bien este relato se centra en el mundo de Facebook, funciona extrapolándolo a cualquier contexto donde las relaciones sociales existen en la actualidad. Como película la cinta es notable, sus diálogos, guión, edición. Pero donde toma fuerza el discurso de Fincher es en su elemento como crítica social a una sociedad obsesionada en medirlo todo, en configurarlo todo, en relativizar nada, bajo este contexto es que “The Social Network” nos habla finalmente de las relaciones humanas, en especial de aquella motivada por la amistad y la camaradería. Ambos valores quedan disminuidos a una expresión minima en tanto el protagonista desvirtua todo aquello que se muestra ajeno a su “invención”.

Agreguemos algo más, que también vale destacar, tenemos un conjunto de personalidades que utilizando el mismo sistema de comunicación reflejan intereses diferentes, esta el oportunista, el resentido, el solitario, los fans, compartiendo e intercambiando información, verdades y engaños. Y esta combinación no siempre es inteligente, no siempre tienen sentido, no todo va con todo. Las especificidades del ser humano, lo que lo hace único, no puede medirse, ni combinarse mediante un código numérico. Es por eso que tanto número confunde, que el espectador extraña un poco la emoción, acá no hay beso, no hay llanto, pero las emociones están ahí, se dejan apenas entrever entre tanto porcentaje, algo agazapadas, y temerosas.

Nada mejor que lanzar una crítica al corazón bombeante de nuestra sociedad y hacerlo de manera contingente, pues el final de la película se sigue construyendo, hoy día, en cada segundo.

3. “Toy Story 3” (2010)

¿Qué más se puede decir de la gente de Pixar a estas alturas? Soy uno de los muchos varones que lloraron a moco tendido en el cine viendo la entrega final de esta historia de juguetes que empezó hace más de 10 años. La tercera parte de esta cinta nos resume aquello que ha hecho tan grande a las cintas animadas de Pixar, una buena historia que se cuenta de la manera correcta y que funciona tanto para grandes chicos. El dilema al que se enfrentan en esta ocasión no es menor, es el eterno dilema de la raza humana, enfrentados a su supervivencia, a su existencia, ¿cuál es nuestra capacidad de trascender?.

“Toy Story 3” nos entrega un relato de vida y muerte narrado de un modo entretenido y apto para niños, pero que en el fondo esconde dramas dignos de la mejor cinta. Es por lo mismo que se hace imposible comparar a Toy Story con sus pares animados, pues no tiene parangón en la comparación ni parámetro similar para establecer una medición. La gran virtud de esta saga fue crear un submundo de personajes principales y secundarios con los cuales es imposible no identificarse ni no hacerlos propios, es por eso que en el emotivo y precioso final es una tarea titánica contener las lagrimas de alguna manera. Bonita Terapia resulta escarbar en nuestra niñez y aquellos juguetes que tan felicidad nos brindaron.

2. “Inception” (2010)

Vale la pena ver “Inception” una, dos, 3 veces. Fijarse en cada detalle, en las concatenaciones entre sueños, ilusiones y pesadillas. Hacer un esfuerzo sobrehumano por fijar reglas fijas para entender donde termina el sueño y comienza el sub-sueño, y donde dará paso finalmente a la realidad. Si existe una película que deja hablando a la audiencia, discutiendo las interpretaciones, reformulando sus concepciones, esa película es “Inception”. Densa, profunda y severa, así como debe serlo cualquier aventura que intente posarse en el Mundo de Los Sueños.

Internarse en el mundo de la conciencia humana era un riesgo a correr solo en estos tiempos, donde existe ya una tecnología y efectos especiales que permitiría hacerlo sin terminar trasquilados en el intento. Nolan se gradúa acá de director serio y con visión propia. En vez de querer hacernos fácil el entendimiento de su guión, insiste con insertar elementos de complejidad en su argumento, así como la contingencia se transforma en doble contingencia, e incluso triple. Cabe agregar que las reglas y normas internas de este relato de fantasía son endebles y están mal elaboradas. Nolan confunde la mente con el subconsciente, o lo racional con la inasible materia de los sueños. Hubiera sido realmente fabuloso que estableciera mejor los límites y el camino a seguir. Díficil es siempre hacer relatos sobre sueños, en los cuales las reglas queden igual de claras para todos.

Gran parte de ese mérito recae en Leonardo Di Caprio, cuyo papel, sin ser exigente, recrea con enorme veracidad la sólidez de un personaje principal en el que recaen finalmente todos los síntomas que afligen a los personajes y escenarios de la cinta.

A su alrededor, un plantel de secundarios de auténtico lujo (Ken Watanabe, Ellen Page, Michael Caine, Tom Berenger, Pete Postlethwaite) en el que brillan con especial intensidad Joseph Gordon-Levitt (protagoniza la asombrosa pelea en el edificio que se vuelca), Tom Hardy (dando vida a un estupendo personaje que podría tener su propia película), Cillian Murphy (al que curiosamente Nolan vuelve a encapuchar, como en las dos entregas de Batman) y Marion Cotillard (una femme fatale en toda regla, irresistible y peligrosísima).

1. “Black Swan” (2010)

Pocos entenderán que éste es el peak de la carrera de Darren Arenofsky, un producto integro, que logra combinar los mejores aprendizajes de sus cintas anteriores, ya sea el relato personal y protagonico de “The Wrestler”, como la resolución de las tensiones que desarrollaba en “Requiem for a Dream”, a esto se le suma la caracterización de personajes mentalemente inestables como el de “Pi: Fe en el Caos”, donde sus protagonistas limitan en lo racional de sus actos y el espectador se desdobla por lograr identificar sus ambiciones y razones en la pantalla.

Todo eso, sumado a notables interpretaciones, es lo que hace de “Black Swan” la película del año, su composición genera primero un revuelo en lo que a debe primar en Hollywood hoy en día, es decir, un cine donde la visión del director prime por sobre los intereses comerciales, pues finalmente esta cinta es una bocanada de aire muy personal de Arenofsky donde mezcla elementos irreales tan clásicos de su cine con ideas, relatos, narraciones que de por si son cruelmente reales. “Black Swan” tiene gore, drama, amor, ciencia ficción y cuerpo. Sobre todo mucho cuerpo. Y tal como el cine de Arenofsky lo dicta, los últimos 10 minutos de sus cintas son de catarsis, de argumentos, de imagenes, de sensaciones. Sobretodo de sensaciones. El gran triunfo de Aronofsky y de Portman se condensa en los últimos 10 minutos de la cinta, cuando Nina finalmente se convierte en el cisne negro. Es ahí donde la transformación de la delicada Portman es impresionante: es ahí cuando descubrimos que Aronofsky ha logrado sacar de Portman lo que la misma Nina se autoexige: la perfección.

Sin ser un fanático de la Portman-actriz, consigue acá su mejor interpretación, una suerte de Carrie de nuestros tiempos, atosigada por los tormentos de su madre, pero más que nada por sus demonios personales que la llevan a mostrar lo peor de si misma. Pocas veces una cinta tan oscura como “Black Swan” logra ser tan brillante para eclipsar incluso a tan notables trabajos como el TOP 3 de este ranking.

SALUDOS. CHAMELO.

Review: "Black Swan" (2010)

2010-12-24T18:35:00.004-03:00

La tradición del cine de Arenofsky es eternamente visceral, nace de sus entrañas y se desenvuelve en su interior al punto de generar una particular repulsión. Es como un sueño raro que lentamente se va desenvolviendo en una pesadilla. Darren Arenofsky lo demostraba en la enigmatica "Pi"(donde ya trabajó por primera vez el tema de la psicosis como una vertiente de la búsqueda de la perfección) y aquella coral entrega que resultó ser "Requiem for a Dream" donde los vicios y bajezas del ser humano constituyen el real centro del filme.

Black Swan no es una película sobre el ballet ni el mundo oscuro detrás de escenas que las bailarinas viven día a día. Ese es solo el contexto. En realidad estamos frente a un thriller sobre la fragmentación de la sique humana ante la presión externa y la búsqueda de la perfección. Portman encarna brillantemente a la primera bailarina del teatro de New York en vísperas del estreno de el eterno clásico "El Lago de Los Cisnes". La presión por conseguir este papel, su reprimida personalidad, su sexualidad escondida, y otros elementos terminan lanzando una bomba mental, la cual se nos muestra a fragmentos en la cinta. Durante momentos, creí ver" Carrie", de Brian de Palma -con el desgraciado personaje de la madre-, en las que sus personajes centrales sufrían de sicosis y cuya realidad se entrelaza con la imaginación hasta el grado en el que no se puede discernir qué es real y qué no lo es. Por si fuera poco, el director adereza la historia con recursos del clásico cine de horror.

La diferencia, el relato es fresco, el mundo ballet funciona como perfecta excusa para que la narración se centre en el personaje principal y su lucha interna. La mente nos juega extrañas jugadas en la medida que creemos conocer los delirios de la protagonista. Y es que a final de cuentas eso es lo que Black Swan representa: un extraordinario logro del director que visualmente hace hasta lo imposible por llevar la historia a su máximo extremo. La cámara fluye con Natalie Portman, hace piruetas, se transforma con la misma intensidad que su personaje central.

La música es un protagonista más, nos brinda tenues momentos de pasividad contrarrestados por instantes de insanidad que desembocan en elementos, inclusive, gore. Nina arracandose la piel o rascandose la espalda, de seguro nadie se cortarás las uñas de manera tan tranquila desde ahora. La fotografía y los efectos especiales son ocupados de manera muy selectiva, pero perfecta, la transformación en cisne negro es sencillamente notable.

Y tal como el cine de Arenofsky lo dicta, los últimos 10 minutos de sus cintas son de catarsis, de argumentos, de imagenes, de sensaciones. Sobretodo de sensaciones. El gran triunfo de Aronofsky y de Portman se condensa en los últimos 10 minutos de la cinta, cuando Nina finalmente se convierte en el cisne negro. Es ahí donde la transformación de la delicada Portman es impresionante: es ahí cuando descubrimos que Aronofsky ha logrado sacar de Portman lo que la misma Nina se autoexige: la perfección.

DE LO MEJOR DEL 2010.

Calif: 9/10

Ojo con la nominaciòn a mejor director y mejor actriz.

Reseñas a la Rápida: "The Town".

2010-12-24T11:06:00.004-03:00

"The Town" tiene todos los elementos que necesita una película gangsteril para convertirse en un hit. Carismaticas familias de ladrones que se aman y odian a la vez, el típico hermano desquiciado y oveja negra del grupo familiar, el cerebro del equipo que en el fondo es un buen chico, balazos a quema ropa y conversaciones tipo Bronx. A esto se le suma una genial escena de monjas asaltando bancos, fácilmente puede causar traumas en los niños.

La gracia de "The Town" no radica en su novedad, pues es una historia archiconocida, sino en la manera ágil de contar la historia, su inicio es muy dinamico y lo interna de lleno en el fondo de la cinta, robar bancos pasa de ser un simple hecho delictivo, sino más bien es un negocio familiar anclado en una tradición.

Correcta película con aquellos condimentos clásicos que le encantan a la Academia, a destacar el siempre buen trabajo de Jeremy Renner, que gran balazo en la cabeza que se come!

Calif: 8/10

Reseñas a la Rápida: Season Finale The Venture Bros (04x16)

2010-11-29T21:20:00.004-03:00

Amo The Venture Bros. Con todo mi corazón.

No importa lo débil que se transforme a ratos su historia. O los puntos ilógicos en que decaiga alguna veces. De algún modo, esta serie se las arregla para brindarnos enormes capítulos de cierre de temporada y cliff-hanger dignos de las mejores producciones de ciencia ficción.

Y esta ocasión no fue la excepción, la reaparición de viejos personajes. El enorme desfile de excentricidades propia de una fiesta en la residencia Venture. La genial discusión sobre la postura sexual denominada "Rusty Venture". El desahogo final del Henchman 21. En fin, un episodio notable que posee acción, desamor, suspenso, explosiones, sexo y sometimiento. El tratamiento que le brinda esta serie a estas tematicas es lo que lo hace único entre las series animadas. Espero que la 5ta temporada vuelva con más irreverencia que nunca.

Saludos, Chamelo.

Reseñas a la Rápida: "The Social Network" (2010)

2010-11-16T21:35:00.002-03:00

Podría tratarse tanto de la creación de Facebook como la creación conjunta de un nuevo sabor de chocolate (perdonando los billones de dolares de distancia entre uno y otro), el hilo de la cinta es el proceso de descubrimiento y consolidación como la red social de alcance mundial que es hoy día pero el foco de la historia es el relato conjunto de la amistad entre los protagonistas. Finalmente "The Social Network" nos habla de aquellos que el mismo Facebook no nos quiere hablar, de lo dificil que es tener y mantener amigos, de la diferencia de estar conectado las 24 horas con "estar ahí" para quien te necesita.

El tema de las amistades masculinas es un tema que se está volviendo a tocar en la industria, la sensibilidad con que nos dejo "Toy Story 3" al género fuerte por excelencia permite acercarse a ese aspecto más delicado. La pelicula relata la historia de Mark, el billonario más joven del mundo, y los pasos que se llevaron a cabo para crear el fenomeno que es Facebook, desde sus inicios en Harvard hasta la actualidad. En el camino para su apogeo hace y deshace amistades y coloca números al valor de las personas. "The Social Network" es principalmente una historia triste, de despecho (que motiva al protagonista a crear Facebook) y desprecio, es el relato de nuestra generación que pide a gritos una bofetada para reaccionar frente al camino que parecemos destinados a seguir. Peliculón por donde se le mire, y ojo, la banda sonora a cargo de Trent Reznor (NIN) le da un gran plus a la cinta.

Recomendable, de lo mejor del año

CALIF: 9/10

Reseñas a la rápida: 'Que Pena tu vida (2010)'

2010-11-06T22:30:00.002-03:00

A veces, más a menudo de lo que parece, siento que pierdo demasiado tiempo hablando sobre películas intrascendentes, de lleno malas y de bajo perfil, como ocurre con la nueva cinta del sobrevalorado Nicolás López. La cual, fuera de la lapidaria critica nacional en su contra y el innecesario temita de los niños Down, no dejará ninguna clase de huella ni estampa.

Pero que quede claro, a diferencia de lo que se puede pensar, la cinta del director nacional no me parece el producto infumable que nos han tratado de vender ni tampoco la polémica película que trata tópicos prohibidos en nuestro país. Al contrario, la gracia de las películas de López es el enfoque distinto al genero nacional que intenta impregnar en sus obras (lamentablemente esa consigna nos brindó a 'Santos'), esta entrega se muestra quizás como la obra mas digerible y liviana de su repertorio, estupenda para pasar un rato amable con unas pop corn.

'QPTV' nos narra la historia de amores y desamores de un santiaguino despechado, solteros y con ganas de poncear. Posee buenos toques de humor, lentamente se transforma en una comedia romántica y posee un correcto repertorio de personajes secundarios, su tránsito es algo lento en la mitad pero su formato logra ser lo suficientemente dinámico para suplir sus diálogos vacíos.

Sin lugar a dudas, el mas grande de sus méritos es la manera en que logra presentarnos a Santiago como una bella ciudad, un paraíso urbano sofisticado. Sus imágenes nocturnas son preciosas y el esfuerzo que se hace por mostrarnos al Río Mapocho como un lugar romántico es valorable. Me quedo con esas maravillosas escenas de luces nocturnas.

Recomendable para ver en pareja una tarde libre.
(Ojo con Pollo, acostumbrado a hacer personajes repugnantes).

Calif: 6,5/10
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Reseñas a la rápida: Ugly Americans (2010)

2010-11-03T12:15:00.001-03:00

¿Cuantas series tienen un social worker de protagonista? Interesante pregunta. El protagonista de esta nueva serie adulta es un asistente social que trabaja en el Departamento de Integración, su trabajo es insertar por medio de políticas laborales y terapias de grupo a la comunidad inmigrante de la ciudad.

La novedad se encuentra en estos 'inmigrantes' que resultan ser lobos, zombies, vampiros, monstruos en general. Lo cual para mi, social worker de profesión, se transforma en mi trabajo soñado, uno donde lidie día a día con fenómenos de la naturaleza.

La serie trabaja con un atrevido humor el tema de la segregación racial, pero también toca temas contingentes y livianos, con un sentido de humor gringo recomendable para los fanáticos de The Venture Bros. Su diseño y gráfica es muy novedosa, así como la idea de asimilar la convivencia cotidiana de humanos con monstruos, por ejemplo, contar con una escalera mecánica al infierno.

Interesante sorpresa de este 2010.

Calif: 8,5/10
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Scott Pilgrim vs. the World: Black Sheep - FULL music video

2010-10-26T12:23:00.001-03:00

Scott Pilgrim = The most underrated movie of the decade

Review: Preair "The Walking Dead"

2010-10-25T21:59:00.003-03:00

Esto del "preair" o filtraciones sorpresivas no es algo nuevo. Le trajo grandes resultados a Wolverine y a otros casos, y funciona de manera perfecta para eventos de larga espera como la generada con la enorme campaña publicitaria de "The Walking Dead". (la cual incluye figuración en el Zombie Day entre otras)

Es cierto que la calidad de video y de audio son bajas, así como ciertas definiciones de sonido y encuadre que creo que cambiaran en la versión final, aún así es posible apreciar la esencia del episodio, y más importante todavía captar el espiritu del comic. Se agradece el detallado esfuerzo de la adaptación ambiental y de reparto en la adaptación de la historieta original, así también los leves cambios que se realizaron a los 2 números del comic son compensados por el tratamiento de escenas logrado. La serie, pinta para buena y con lujos, mientras sepa cambiar los ritmos de narración entre lento y acelerado en momentos de transición, porque a la velocidad con que presentó los eventos en el primer episodio, podríamos tener para 5 años al menos.

Me declaro un fanatico enfermo del género zombie y sus vicios, la escena del caballo resulta para mi entonces simplemente magistral, terrible, pero magistral. El estreno en materias de serie durante este 2010.

A PONERLE UN OJO.... DE ZOMBIE.

Kanye West - Runaway (Full-length Film)

2010-10-25T21:56:00.001-03:00

"Reseñas a la Rápida": El regreso de The Venture Bros.

2010-10-08T17:45:00.003-04:00

The Venture Bros, 4th SEASON (2010)

Refrescante, dinamico, vital, jocoso y muy incorrecto. Su prolongada ausencia se hizo sentir en mi persona. Los echaba de menos y mucho, dentro de un uniforme panorama donde las series animadas no tienen mucho que ofrecer, Los Hermanos Venture nos siguen entreteniendo con aquel humor 100% gringo pero con esa calidad que han sabido explotar en sus numerosos capitulos.
Me encanta que se retome esa curiosa amistad entre Brock y los chicos, extrañaba esa patologica paciencia que tiene nuestro guardaespaldas favoritos con aquel par de adorables patanes que sacan de quicio a cualquiera. En su episodio de regreso, el Team Venture vuelve a unirse para introducirse dentro del cuerpo de Rusty, solo para encontrar otro ejemplar de los clones de los hermanos Venture tapando una arteria.
El regreso de Phantom Limb, el fallido ingreso universitario de Dean, o la pérdida de la virginidad de Hank, han vuelto a colocar en un pedestal lo mordaz que resultaba la serie y lo original que siempre fue. Por último, mi opinión personal apunta hacia lo genial que resulta una serie que trabaja con tal cantidad de personajes (superheroes, supervillanos, supercientificos, etc.) tan bien desarrollados.

En caso de quererlo The Venture Bros podría transformarse facilmente en una enorme tira cómica de acción de superheroes, el desafío elegido, no obstante, es el más dificil, hacer reir semana a semana a la audiencia, y con clase.

Una serie que se merece más reconocimiento y publicidad del que posee.

Reseñas a la Rápida: "Get Him to the Greek".

2010-10-07T11:16:00.007-04:00

GET HIM TO THE GREEK (2010)

Jonah Hill no me convence en papeles protagonicos. Sosteniendo una pelicula cómica solo con su aparente carisma. Este gordito travieso es experto en escenas cortas pero jocosas, comentarios que llegan justo a tiempo, pero no para sostener dialogos de transición o chistes que se resuelven al final de la cinta. Russel Brand por su parte, me sorprende gratamente, pese a ser un pelmazo hiperventilado en la vida real, lleva a cabo su caracterización de rockstar de manera efectiva y con mucho toque de humor blanco. Sin embargo, lo mejor, por lejos, resulta ser la participación de P-Diddy, como un ambicioso manager musical (muy cercano a la autointerpretación) algo freak out, y con una curiosa obsesión por "mindfucking".

La pelicula cuenta la historia de un productor gringo que debe llevar a la mayor estrella en decadencia del rock de vuelta al "Greek" (un teatro de antología en la historia musical), y las peripecias que debe hacer para que un yonki de tomo y lomo llegue en una pieza para ese concierto. Si bien es una pelicula bien contada y construida, carece de humor y sintonia con el publico.

Calif: 5/10

PS: Aunque la escena de "The Mars Volta" es NOTABLEEEEE!!!!

Reseñas a la Rápida: "Machete"(2010)

2010-10-04T16:34:00.011-04:00

Dado que cada vez tengo menos tiempo, inaguraré una nueva sección de "Reseñas a la Rápida" el cual en un tono algo más ligero me permitirá (y nos permitirá) seguir al tanto de los actuales estrenos. Por su comprensión, muchas gracias.

Machete (2010)

Una pelicula "BadAss" por donde se le mire. Mexicanos con bigotes grandes y cuchillos descomunales desbordan por la pantalla. Que un personaje principal se llame Machete nos indica altiro que se trata de un peliculón cargado al chocolate y a la decapitación, un clásico instantaneo entre las peliculas categoría clase "b". La escena de las tripas estomacales usada como liana siempre será recordada dentro de aquellas imagenes pertubadoras pero extrañamente enviciantes.

Robert Rodriguez sigue haciendo de las suyas, de similar tenor a "GrindHouse", y filmada con la misma versatilidad de "Sin City", imposible aburrirse frente a la pantalla, más aún cuando se añade a esto la aparición de Jessica Alba y Lindsay Lohan dejando poco a la imaginación. La cinta que habla sobre la venganza de un fiscal mexicano contra el villano que asesinó a su familia y arruinó es un desliz de sangre, acción, humor negro y parodia.
Pues ciertamente, Mr. Trejo se mueve a la perfección entre un personaje pastiche, kitsh pero muy, pero muy gracioso. Recomendado para mentes ávidas de absurdo entretenido.

Calif: 7/10

Review: “Scott Pilgrim VS The World” (2010)

2010-09-02T18:42:00.002-04:00

OJO: SPOILERS MAYORES A LA VISTA.

La adaptación de un cómic siempre es complicada, se deben tomar decisiones respecto a que elementos dejar afuera y cuales incorporar a la historia. Siempre existen cambios significativos, y ciertos giros argumentales importantes que no dejarán a todos los fanáticos conformes. Lo importante de una adaptación es sacarle provecho a todos aquellos elementos y factores que por la naturaleza del comic no se podían expresar de mejor manera, un punto donde el Cine ha evolucionado incluso al 3D.

Y ese es el gran mérito de la cinta de Edward Wright, a diferencia de lo que pasó con la insulsa e infantil adaptación de “Kick-Ass”, cuya gran virtud presente en sus anteriores trabajos (la notable “Hot-Fuzz” por ejemplo) es el pulido trabajo de edición que realiza y la correcta utilización de los efectos especiales como herramienta de apoyo a la historia y no como foco de la trama.

En fin, debo reconocerme inicialmente como un mega fanático de la saga de Scott Pilgrim, el joven canadiense y sus desventuras amorosas. Me leí en un par de días los 5 primeros tomos de su historia, y esperé ansioso la publicación de “Finest Hour” el 6to y última entrega de la saga, pese al sin sabor de boca que me dejó el desenlace (así como acaba un producto con el cual te identificas) valoro enormemente el relato generacional que hace su autor, Brian Lee O’Malley, hacia la sociedad actual, un relato donde se relata entre otras cosas los intereses y encuentros de una generación marcada por la sobrevalorada cultura pop y por las relaciones “express”, pero se aleja de aquel estereotipo de juventud escasamente pensante y facilista que se insiste en entregar por los medios hoy día.

Scott Pilgrim es un joven en sus 23 años, cesante, que vive con su amigo gay en un apartamento escasamente amoblado. El comic navega en las aventuras cotidianas de Scott, su banda de garage compuesta por sus amigos del barrio, nada del otro mundo, excepto en el hecho de que nuestro protagonista conoce a la eternamente enigmática Ramona Flowers, y a la “Liga de los ExNovios” que trae consigo, debe derrotar a los 7 ex novios malvados para conquistar el corazón de una chica que levanta más preguntas que respuestas. Éste es el hilo de la historia, muy muy resumido, pero lo peculiar del cómic va más allá, mientras la historia principal se desarrolla y se entremezcla con lo que evoluciona de la situación personal de los diferentes personajes, sus relaciones, sus pasados, etc. Y es que, la peculiaridad del cómic es que introduce todo tipo de conceptos fantásticos, en muchos casos tremendamente influídos por los videojuegos y los cómics, sin prácticamente explicación, simplemente asumiendo que están ahí.

Por ejemplo, tenemos las subspace highways ("autopistas del subespacio"... o algo así se traduciría, caminos que se pueden coger para llegar más rápido de un sitio a otro y que muchas veces pasan por los sueños de algunas personas: así es como Scott conoce a Ramona, pues ella las usa para ahorrar tiempo en sus rutas de reparto de paquetes para Amazon.ca, y una de las rutas pasa por los sueños de Scott), las peleas entre personajes, que incluso terminan con uno de los contendientes muerto y dejando un item, dinero o hasta vidas extra detrás (éstas se nos introducen al final del primer tomo como si fueran lo más normal), los puntos de experiencia, los poderes psíquicos que tienen algunos veganos (¿). Pero no nos quedemos con la lectura “por arriba”.

Porque en realidad Scott Pilgrim no es un cómic de fantasía (aunque es un cómic fantástico). Es bonito y es gracioso pero también hay una corriente de tristeza y angustia e incerteza y maravilla, todo lo que puede esperarse en una historia cualquiera de un tipo cualquiera que va creciendo y ve enfrentados sus sueños y esperanzas a los sueños y esperanzas de los demás. Todo eso de “lo que quieres hacer con tu vida” versus “lo que tu vida quiere hacer contigo”, el dónde encajas, el quiénes son tus amigos, el toma y daca de las relaciones, los sacrificios que se hacen, las heridas, los peligros, las ganancias… Dudo que haya mucho de autobiografía en este cómic, pero aún despojándolo de las improbabilidades y los estereotipos y los clichés románticos televisivos, puede sentirse una evolución en el protagonista (sobretodo en él y en su mejor amiga, Kim Pine, probablemente la más cuerda y madura de todo el ensamble), un verdadero crecimiento.

El 6to tomo del comic ahonda en la problemática nostálgica del protagonista, su pesar es más profundo que nunca así como la densidad de su conflicto interior, extrañamente nos damos cuenta que Scott no es aquel chico cool que se nos presentaba ser, es cobarde y muchas veces un desgraciado superficial, aún así lo queremos ver triunfar. A Pilgrim siempre lo queremos ver triunfar, crecer.

Pero volvamos a la película.

El gran atributo de la película es saber mezclar el elemento “arcade” de los videojuegos con efectos especiales correctamente efectuados, el director entiende que su desafío era hacer una propuesta visual atractiva y dinámica por sobre un guión cuyos diálogos (así como los del comic) no podían sostenerse por si solos. Es cierto, existen giros argumentales importantes (por ejemplo la breve y pobre explicación al dispositivo con el cuál Graves controlaba a Ramona) y muchas de las peleas cambian en relación al comic, sin embargo se tomaron estas opciones en función de la puesta en escena, lo cual dio gran resultado, el combate de bandas contra los hermanos asiáticos es espectacular, así como el homenaje a “Seinfeld” en pleno filme. Resulta muy revitalizador la introducción de Knives Chau como personaje fundamental en el desenlace de la obra, siendo el nuevo final (distinto al del comic) mucho más acorde al tenor de la historia trazada durante 5 tomos anteriores.

Que Wright se haya encargado de la adaptación fue un gran acierto, se llevó a cabo un tributo mucho muy decente de “Scott Pilgrim”, quizás uno de los mejores relatos generacionales de nuestra época. Que Michael Cera encarnara al protagonista levantó ciertos temores en relación a su habitual caracterización de joven alternativo y perdedor, la sorpresa es mayor al verlo representar escenas de acción y darle un tono menos patético incluso que el “Scott Pilgrim” del comic. Para que hablar del casting total del filme, escogido con pinzas y muy pertinente, especiales referencias a Ramona Flowers y Julie, calzan a la perfección.

Calif: 8/10 LeagueofEvilExes.

SALUDOS

Futurama y el Teorema de Inversión: respirando matemáticas | Freak´s City - Series de televisón, descargas, cómics, música, cine...

2010-08-28T10:00:00.000-04:00

Gran Post de mis amigos de Freak's City!!!
Futurama y el Teorema de Inversión: respirando matemáticas | Freak´s City - Series de televisón, descargas, cómics, música, cine...

Review: "Inception" (2010)

2010-08-20T21:23:00.004-04:00

Hace unas dos semanas, el loquito que vende películas en la feria de mi abuelo (3 x mil pesos) promocionaba a viva voz su nueva adquisición, “El Origen” de C. Nolan. Lo mejor de esto era la enorme reseña que hacía de la película en tan breve frase: "Lleve "El Origen"!!, Lleve "El Origen"!! Es como Matrix! Es como Matrix", la alusión a la primera de las cintas de los hermanos Wachowsky resultaba ser un reduccionismo absoluto que, si bien resultaba injusto para ambas cintas, no se alejaba mucho de la realidad en un aspecto, la primera vez que veas "El Origen" debes poner todos tus sentidos alertas en función de la película, tu misión será captar la esencia de aquello que estás presenciando, la vara está puesta muy alta pues Nolan consiguió su obra maestra con la última entrega de la saga de Batman, el desafío entonces es muy alto, pero no imposible.

Desde que Christopher Nolan presentó ‘Memento’ (2000), uno de los thrillers más sorprendentes y arriesgados de la pasada década (basado en el relato escrito por su hermano Jonathan Nolan), este realizador, nacido en Londres hace cuarenta años, ha sabido ganarse un lugar de privilegio entre los cineastas más respetados y respaldados de la industria norteamericana. El mayor logro de este director, es haber trasladado el cine blockbuster, aquel que atrae al público general a las salas de cine, al cine de autor, de toque personal y propuestas arriesgadas. Eso sucede con "Inception" que fuera de todo, es una propuesta personal que hacemos propia bajo la dirección de Nolan, quien abre nuestro método de percepción para generar comprensión a esta distorsionada realidad que se nos presenta.

El cine entendido como una ventana a otro mundo, tiene su máxima expresión en una película que te traslada a una fantasía de una forma tan poderosa que no quieres que acabe, es una experiencia tan apabullante que no notas el paso del tiempo, sólo quieres disfrutar el momento, cada momento. Es como vivir un sueño. El cine como un sueño compartido. ‘El Origen’ (‘Inception’) es eso. Es tan espectacular, asombrosa, trepidante, inteligente, romántica (la primera de este director tan centrada en el amor), que sus dos horas y media de duración llegan a resultar cortas. No podemos decir tal cosa de muchas películas, cada vez menos.

El viaje al mundo de los sueños tiene un enorme atractivo, pero Nolan viste el tono fantástico de thriller y es donde más brillante resulta el largometraje. Aunque quizás por su condición de blockbuster incluya brillantes efectos visuales, que bien pensado aportan bien poco al argumento, aunque consigue dotarlo de un poder hipnótico certero (buen ejemplo de ello es el momento Kubrick, todo un guiño y homenaje admirado) para acompañar al viaje de niveles oníricos del protagonista y su equipo. El asunto en Inception es apreciarla con una mente en blanco, atento a los diálogos y sus alcances. A cómo, sobre la base de las conversaciones teóricas de los personajes, estos se van construyendo y a la vez solventando la trama, sin caer en clichés, ni pecar de ser injustificadamente estrambótica en sus visuales. Todo funciona en la medida que se va combinando y el espectador se deja llevar en el curso de este viaje hacia las “profundidades” del inconsciente.

A su alrededor, un plantel de secundarios de auténtico lujo (Ken Watanabe, Ellen Page, Michael Caine, Tom Berenger, Pete Postlethwaite) en el que brillan con especial intensidad Joseph Gordon-Levitt (protagoniza la asombrosa pelea en el edificio que se vuelca), Tom Hardy (dando vida a un estupendo personaje que podría tener su propia película), Cillian Murphy (al que curiosamente Nolan vuelve a encapuchar, como en las dos entregas de Batman) y Marion Cotillard (una femme fatale en toda regla, irresistible y peligrosísima).

Además, cuenta con el despliegue de un soundtrack de ejecución prolija que se ajusta al carácter épico de la película que armoniza. Hans Zimmer lo hizo de nuevo, tal como en Batman Begins y The Dark Knight, potencia la acción, la emoción y finalmente todo el contenido de un producto cinematográfico absolutamente impecable. Es decir, esta es una mezcla que no teme menospreciar la inteligencia de la audiencia – no nos trata como imbéciles como es habitual – para meter bastante testa en la pólvora de sus balas. No solo eso, aquí nos presentan en el fondo una dinámica de ciencia ficción en torno a la pérdida y la culpa

La pata coja de Inception, es aquella que hizo tan grande al "Caballero de la Noche", la construcción de los personajes, de sus ambiciones y anhelos. Nolan, cuenta la peripecia supuestamente radical, pero finalmente superficial, de unos personajes expertos en entrar en los sueños de sus víctimas con el objetivo de robarles información, o en un caso extremo inocularles una idea. Dispositivo narrativo que le sirve a Nolan como excusa perfecta para indagar en algunos de sus temas predilectos, mientras no pierde de vista la necesidad de ofrecer espectáculo a sus incondicionales. No obstante el desfile de personajes secundarios que se insertan en el relato fantastico sin mayor motivación que otra que la que se estima en el guión, resulta algo pobre. Algo que no pasaba ya se con el Huasón de Batman, o con el mismo Dos Caras, todos personajes con un tratamiento psicologico único, en "Inception" ocurre demasiadas cosas que debemos aceptar solo porque su iniciativa lo amerita, los personajes toman dificiles decisiones sin entrecruzar motivaciones. ¿Alguien podría explicar acaso la importancia de J.Gordon-Llevit como personaje?

Cabe agregar que las reglas y normas internas de este relato de fantasía son endebles y están mal elaboradas. Nolan confunde la mente con el subconsciente, o lo racional con la inasible materia de los sueños. Hubiera sido realmente fabuloso que estableciera mejor los límites y el camino a seguir. Díficil es siempre hacer relatos sobre sueños, en los cuales las reglas queden igual de claras para todos.

Esto no permite desmerecer a la cinta del año 2010, tremenda por donde se le mire, obliga a querer ver de nuevo el gran show presenciado en pantalla gigante, posee el mejor trabajo de edición en años. Los aplausos se los lleva una pelea en gravedad cero a través de un pasillo cuya única reacción que genera es querer levantarse del asiento y celebrar. Disfrutar una película, ser de estos inmaduros que se ríen de los pretenciosos y aplaudir un momento en el que la película alcanza alturas de obra maestra. Nolan consigue aquello que muy pocos logran en la actualidad, que una vez acabada la función el público siga discutiendo y conversando sobre la película en sus casas y con sus amigos, algo que yo sigo haciendo hace más de una semana de verla.

Preciosista como pocas, nunca se sacarán de sus orejas aquel sonido tan especial con el cual cierran las escenas finales de la historia.

Calif: 9,5/10 Lavidaessueño Awards

Saludos.

Chamelo

¿Hay alguien más como yo que sigue en búsqueda de su totem?

Sobre el Exito de "Modern Family"

2010-08-05T18:43:00.006-04:00

La serie emitida por ABC en Estados Unidos es protagonizada por 2 viejos conocidos. El primero es Ed O’Neill, el mundialmente conocido y admirado Al Bundy de la serie ‘Married with Children’ (Matrimonio con Hijos), quien nunca dejó de actuar en televisión pero que hoy retorna a la primera plana con el papel de Jay Pritchett en ‘Modern Family’.

La otra conocida es Sofía Vergara, quien interpreta a Gloria Delgado-Pritchett, esposa de Jay. La colombiana ex de Luis Miguel, lleva bastantes años en Estados Unidos probando suerte con distintos papeles en televisión y el cine, y estaba vez dio en el clavo. Y de que manera! Modern family cumple la promesa de su título de más de una manera. Porque la comedia se pone al día con una deuda que tenían las series sobre familias hace rato y que es, precisamente, reflejar una versión mucho más actual de "familia" que la clásica y manoseada fórmula de madre guapa, padre feo y algo inútil, e hijos más o menos ocurrentes, que había llegado a su punto más bajo con bodrios como According to Jim.

En esta ocasión, el grupo familiar se compone de las historias conjuntas de 3 familias muy dispares. La serie salta de una familia a otra en historias que normalmente acaban por unirlos a todos en situaciones de enredo bastante cómicas. Sumado al desarrollo de las historias, en 'Modern Family' se utiliza la técnica de 'The Office'. Me refiero a que los personajes hablan a la cámara de vez en cuando, como si se tratara de un documental en el que comentaran sus vidas y la de su curiosa familia (lo que se llama en el mundillo, mockumentray). En los capítulos nos hemos podido encontrar con personajes invitados interpretados por actores bien conocidos. La ex mujer del abuelo, interpretada por Shelley Long, la Diane de 'Cheers', y un cameo del crack Edward Norton.
Pero el gran triunfo de la serie, y la razón por la que resultó más exitosa que su pariente directo, Arrested development -con el que comparte la vocación ácida y el innovador formato de documental falso-, es que sus creadores no olvidaron que, al final, un ingrediente principal de una comedia familiar es la emoción. Porque aunque el humor es negro y mordaz, también abundan los momentos en que, sin ser sensibleros, se deja ver claramente que hay real cariño y lazos entre los personajes.

Y es allí donde el triunfo de Modern Family se transforma en un Enorme Victoria de Guión. Instalada en una sociedad donde el cinismo y la acidez se tranforma, esta comedia vuelve a lo básico, la familia americana (por más variopinta que ésta se muestre en la serie). Su exito quiere decir que el público está harto de situaciones disfuncionales, en extremo rebuscadas, situaciones llenas de sarcasmo y burla, hemos regresado a la vieja escuela de "Friends", comedia de situaciones reales, personajes simples, con historias similares a las nuestras. Nada de lo que pasa en "Modern Family" es nuevo, nuevo es su contexto, pero los conflictos al interior de la familia serán por siempre los mismos.

Que la familia será moderna, pero sigue siendo familia.

Gracias por una bella First Season.

CHAMELO

Avalancha de Reviews Pendientes

2010-07-28T20:35:00.004-04:00

1. Knight & Day (2010)

La fórmula acción + humor sigue generando ganancias en los anales de Hollywood. En esta cinta, la vaga excusa de un espía que escapa de su agencia resulta ser el argumento perfecto para recorrer todo el mundo, incluyendo al final a Chilito, una persecución tras otra a lo largo de decenas de hermosos parajes. El propósito de la cinta es simplemente divertir, pues muchas veces su tratamiento de planos deja mucho que desear en relación al desperdicio de recursos en las escenas de acción.

De esas historias donde el protagonista dispara un par de balas, y mueren 100 villanos, mientras que él puede caer desde un puente con los ojos vendados y aterrizar sobre el techo de un microbús con dos pistolas en la mano. Recomendada para los ávidos de una tarde light y con ganas de ver hartas explosiones sin sentido y soltar una que otra sonrisa con ese humor gringo del Comedy Central.

Nota aparte para los protagonistas, sus días de gloria pasaron, los maquilladores tuvieron una gran tarea escondiendo las arrugas de Cruise y Cameron Díaz (de la cual me confesé enamorado en “The Mask”), pese a que ambos se mantienen en gran forma, su complicidad con la audiencia no es tal como tiempos anteriores. Tiempo para dar un paso al lado y apreciar los buenos papeles secundarios.

Calif: 6/10 CientologíaAwards

2. 2. RepoMen (2010)

De menos a más. Esa es la tónica de esta película. Me da cierto desazón que buenos actores como Jude Law y, para que detallar, Forrest Withaker terminen delimitados por personajes con poco desarrollo. Rabia también me da que una buena idea como hablar del mercado de órganos del futuro se desestime por privilegiar las acciones de acción y la sangre. El pecado de “RepoMen” es querer hablar de un futuro terrible, de la lucha contra el sistema, de la importancia de la familia y de la amistad, del mercado negro y de tantos otros tópicos en el cine que finalmente no logra extenderse de manera decente en ninguno.

Jude Law como superhéroe de acción es improvisado, pero con buenos resultados. Sin embargo, tener al virtuoso Forrest Withaker como negro flaite weno pa tirar combos y pa enchuchar, es incorrecto, desprolijo y poco provechoso. Es casi como poner a mi hermano de defensa central de la selección chilena, puede ser que pare una o dos, pero en el fondo dará puro jugo.

Punto aparte para los últimos 15 minutos de cinta (OJO, SPOILERS!), cuya grandeza no pasa por su previsible final, sino por su escena final que echa al agua todo lo construido, para dar paso a una realidad virtual instalada en la mente del protagonista que en realidad se haya en estado vegetal, un final muy arriesgado, de lo más arriesgado desde “The Mist”. Que hace, que en cierto sentido, su valoración ascienda.

Calif: 6,5/10 AliceBragaAwards

3. 3. The A-Team (2010)

Apuesta segura de acción al x 100. La serie de antaño “Los Magníficos” se caracterizaba por lo mismo, un derroche de balas y adrenalina que la lanzó a la fama, su remake nos ofrece lo mismo actualizado con las tecnologías que hoy dominan los efectos especiales y con una sobredosis de explosiones que vuelve loco incluso al más fanático.

El reparto también corría seguro como exitoso, con una mezcla de actores consagrados como Liam Neeson, parte de la nueva savia como Bradley Cooper (el galán bonachón del momento),Sharlto Coper (mi proxima promesa de su generación), Patrick Wilson y , la siempre agradable, Jessica Biel.

Tal vez algo caótica en su propuesta, sigue siendo una gran iniciativo para los amantes del género. Pura diversión.

Calif: 6/10 I Pity the Fool Who Ain't Down With Mr.T !!!Awards

4. 4. The Losers (2010)

Absolutamente desapercibida, incluso en su país, The Losers proviene de una publicación norteamericana, un comic de relativo éxito ambientada en una violenta sociedad contemporánea. Es una adaptación del comic que pertenece a la línea Vertigo de DC, está escrito por Andy Diggle y dibujado por Jock. Nos cuenta como un grupo especial de agentes es traicionado y como estos buscarán vengarse contra su traidor y la CIA para limpiar su nombre. (Trama demasiado similar a The A-Team, lo cual no jugó a su favor).

La venganza contra Max es la que desencadena la historia, siendo este personaje uno de los puntos imperfectos de la película, la actuación está a cargo de Jason Patric, un actor que ha a aparecido en unos cuantos films (Narc, El Alamo: la leyenda, por ejemplo) pero que nunca ha dado el gran salto a las grandes producciones de la industria. Su interpretación del villano de la historia es un gran cliché más de los que ésta película está rodeada. Ya a partir de un guión infantil en el que no vemos más que continuidad de una historia contada infinitas veces, todo suena como a un gran recicle de viejas películas de acción de los últimos años,de los ochentas y de la década del noventa.

Cuento corto, no pasa de la mediocridad la película, perdiendo la oportunidad de explotar el papel de Jeffrey Dean Morgan (Watchmen) cuya carisma como actor fue demostrado con creces con su personaje de The Comedian. Morgan, por lejos, lo más destacable de la cinta.

Calif: 5/10 JasonPatric Awards

5. 5. Green Zone (2010)

Una película más para abundar en el género bélico. La novedad, como su titulo lo indica, Green Zone aborda las discusiones interinas a nivel de jefatura por sobre las escenas de guerra. Situada en las tropas americanas que se han dejado caer en Irak buscando las malditas Armas de Destrucción Masiva, la cinta es una crítica directa al gobierno de Bush y la toma de decisiones que se hizo sobre el conflicto en su momento. Matt Damon protagoniza esta historia, donde se encuentra al cargo de unidad de las fuerzas especiales que se niega a seguir buscando armas que no existen e iniciar una investigación de manera autonoma para hallar las reales causas detrás de los hechos.

La trama mezcla ambiciones politicas, manejo de los medios, choque de intereses y en los ultimos minutos agrega a esto escenas de acción militar de buena calidad. Carece no obstante de personalidad que la haga destacar dentro de un ámbito poblado de tremendas películas. Recomendable pese a todo.

Calif: 6,5/10 WMD Awards

6. 6. Clash of Titans.(2010)

Pèrdida de tiempo absoluta de mi valioso tiempo, y de los “escasos” recursos de la “noble” industria cinematografica. La guerra entre dioses y humanos es una vil excusa para exhibir los últimos efectos digitales con tecnología 3D, ni siquiera la aparición del mentado Krakken logra salvar del fracaso a una cinta con una fotografía que sobresale del resto. Liam Neeson se mantiene digno en su rol, no así el resto del reparto.

Para quienes aman la historia grecorromana y la mitología griega, la película alcanzará la categoría de insulto. No pierdan el tiempo que yo ya perdí.

Calif: 3,5/10 Cabezademedusa Awards

7. 7. Hot Tub Time Machina (2010)

Es muy difícil que John Cusack caiga más bajo. Su incursión en el mundo de las comedias va en evidente declive al punto de casi llegar a la extinción. Una pena.

La cinta transcurre con un disfuncional grupo de amigos que deciden visitar un centro vacacional para ayudar a uno de sus integrantes que pasa por una etapa de depresión, tras darse un baño en el jacuzzi viajan 20 años en el pasado para volver a la época de los 80’s. No hay algo que odie más que el cine que habla de los 80’s como aquella época dorada que muchos nos quieren hacer creer. En fin, fuera de la pésima idea, actuaciones, dialogos y burdos chistes, existe un punto alto, y mucho.Uno de los protagonistas decide tocar un tema como regalo desde el futuro, decide tocar “Let Get it Started” de Black Eyed Peas, y resulta un temón!! Algo similar a lo que pasa con Marty McFly tocando un tema de Chuck Berry en “Volver al Futuro 1”. Notable.

Calif: 3/10 BEP Awards.

8. . Shrek Forever Alter (2010)

Inexplicablemente, la gente sigue viendo cintas de Shrek. Ninguna de las 3 entregas posteriores a la notable en su momento “Shrek 1” debió ver la luz. Lamentablemente, pese a que la crítica ha sido dura con la saga, hay que darle créditos a la gente de marketing tras el ogro verde, siempre saben en que momento realizar su estreno y como hacerlo para engatuzar a los pequeños.

La trama en este caso no tiene ni pies ni cabeza, tanto que comenzar a hacer parodias de sus propias parodias es el mal endemico de la poca originalidad en el mundo de la comedia. De lo peorcito de este año. (Nota aparte, el momento en que hace un pequeño homenaje a Beastie Boys, ojo!)

Calif: 2,5/10 No+Shrek Awards

9. 9. The Road (2009)

Gran cinta, pese a llegar tarde nuevamente a nuestro país, el panorama que nos entrega de manera intima es de lo más rescatable este 2010.

Viggo Mortesen encarna a un atormentado padre que debe realizar difíciles decisiones frente a un fenómeno que destruye gran parte de la humanidad, nunca se nos revela cual es ese suceso ni como ocurre, lo que se sabe es que esta incidencia acaba con toda la naturaleza en el planeta Tierra, así como con gran parte de la vida humana.

La humanidad ha caido en el canibalismo para sobrevivir, terible la escena del sótano maldito, desatandose la más cruenta guerra civil. Padre e hijo viajan por el país buscando comida camino “Al Sur”, recorriendo este sendero como si en ese lugar existiese un paraíso en el cual nuestros problemas se solucionarán. Ambientado en el más apocaliptico de los futuros, “The Road” relata en realidad la intensa relación entre padre e hijo, las lecciones de la vida situadas en un paraje desolador y como, pese a lo difícil de la situación, el amor es lo que prevalece.

Una cinta muy intima, con bellos dialogos y pausas, mezcladas correctamente con agobiantes escenas de thriller.

Calif: 8,5/10 Canibalismo Awards.

1 10. Futuraza 6th Season

Tal vez me haya declarado demasiadas veces abiertamente fanatico de Futurama. Fanatismo que se acentuó con las películas que se crearon mientras continuaba el injustificado receso de la serie. Ahora que la serie regresaba las expectativas eran altas, y, lamentablemente, difíciles de cumplir.

No es que no esté conforme con lo que ha mostrado Futurama en sus primeros 6 capitulos en casi 6 años , sino que siento que la trama pasa más bien por tocar tematicas que solo el tratamiento de un futuro lejano permitiria tocar, por sobre el denotado desarrollo de los personajes con que se caracterizaba esta serie. La idea de que a medida pasan los episodios la historia avanza junto a ellos, se ha agotado, no resulta económicamente rentable para las productoras, y simplemente se trata de hacer la mayor cantidad de ruido posible en la menor cantidad de tiempo.

Esperemos que esta tendencia se resuelva ahora ya que la serie se ha instalado nuevamente en la retina de sus fans.

Calif: 6/10 Dr. Zoidberg Awards.

Eso sería todo por hoy.

Saludos Cordiales

CHAMELO

Screensavers para el Amazon Kindle. Autores Chilenos

2010-07-18T19:22:00.001-04:00

Nadie los pidió, pero quise compartir algunos de mi autoría para incluir como salvapantallas del e-reader.

Escritores Chilenos

Y otros.

Saludos.

Community, o esa serie de la que muchos hablarán.

2010-06-29T21:12:00.004-04:00

Community, la mejor comedia de la temporada pasada. Inadvertida para todos aquellos (incluyendome) embelesados bajo los finales de nuestras series de antaño, es ahora, en este limbo donde deambulo entre serie y serie, cuando decido darle una oportunidad.

La sorpresa es inmensa, un trabajo de mucha calidad y una construcción de personajes y guión notables. Ningun personaje parece sobrar, y la fuerza de los secundarios es sobresaliente. Del típico humor norteamericano actual, ese que transita en lo pop, lo incorrecto y lo absurdo, ese donde cayeron muchas series y fracasaron en su intento, es ese humor donde "Community" aprueba con la nota máxima. "Community" nos sitúa en una Universidad Estatal para desadaptados, rebeldes, perdedores y asociales que no lograron terminar de manera correcta su paso estudiantil en tiempo. Nuestro grupo protagonista reune Dueñas de casa, ex-abogados, Divorciado, Un ex-quarterback de secundaria, y uno que otro loco. La serie alterna bastante bien los focos de atención entre episodios y dentro de los propios episodios consiguiendo, creo, que no nos cansemos de los personajes. En parte, tiene ventaja sobre otras series con su amplia plantilla de coprotagonistas.

Chevy Chase está hecho un gigante en un personaje que le queda a la perfección, increible como se reinventa está tipo. La dupla de Troy y Abett es espectacular, es genial esperar el fin de los episodios para ver que locura harán en los créditos (No existe nada más grande que THE SPANISH RAP), y Annie (Alison Brie) que encarna a una nerd hiperventilada, que sencillamente me encanta. Y finalmente, Keon Jeong, la razón inicial por la que decidí ver esta serie, encarna al carismatico y terrible Señor Chang, profesor de la clase de español. Con arrebatos y genialidades que no hacen más que acrecentar mi admiración a este actor. Vale la pena darle una oportunidad, espero que la segunda temporada pueda mostrar el tremendo nivel exhibido.

SALUDOS

CHAMELO

Review: "Toy Story 3" (2010)

2010-06-20T20:22:00.006-04:00

1995. Era un pequeño rechonchin con 10 años, aficionado a la tele y a las peliculas de Disney que cada cierto tiempo mi padre nos llevaba, a mi hermano y a mi, al cine a disfrutar con lo último que se podía ofrecer en historias para niños.

Ir a ver "Toy Story" en su momento fue el extasis de mi niñez, tras ver aquella pelicula con mucha convicción tomé mi primera decisión de adulto, voy a estudiar Computación Gráfica!! Mi vaticinio a temprana edad era muy cierto, las películas animadas desplazarían a las clásicas cintas infantiles, y yo quería ser parte de ese cambio. Durante un par de años anuncié a los 4 vientos mi decisión, y cómo ésta sería de gran importancia para el futuro del cine. La realidad dijo otra cosa, mi talento para los números, gráficos y dibujos técnicos fue lentamente decayendo conforme pasaba el tiempo y mi latente espiritu de diseñador gráfico se enfrentó ante la cruel verdad, no era lo mío. El dibujo nunca lo abandoné, aún hoy sigue siendo mi más fiel compañero, ni tampoco mi incesante deseo creativo, en cierta forma ese tiempo curtió mi piel preparandome para la segunda entrega de esta saga.

En "Toy Story 2" (1999) con 14 años en mi cuerpo, algo hizo click en mi, lograba captar la real esencia de esta divertida película que alguna vez cautivó mi ser, son sus personajes aquellos que manejan el acontecer de la trama, son ellos quienes nos envuelven, con quienes nos identificamos, y quienes creemos conocer cómo piensan, sienten, aman y viven. Personajes que no dejan de ser simples juguetes enfrentados a problemas de humanos narrados cual cuento de niños.

Sin duda Pixar contaba con esa libertad editorial ahora que permitía hacer pasar a sus personajes por dudas existenciales, dramas que quizás los niños no estaban preparados a enfrentar (lo cual no fue cierto) y situaciones que aún en la vida real no sabemos como enfrentar. El vaquero Woody y sus amigos superaron grandes conflictos personales para surgir reinventados y con direcciones en su vida inusual vida como juguete.

El humor, siempre presente, era un elemento tan importante como el guión y el desarrollo de los personajes y sus ambiciones. Pasa con los malvados que tiende a inventar Pixar, malvados que en el fondo no son malos, sino que ven su vida de otra manera, víctimas de las consecuencias, de las decisiones, del tiempo. Pasa con el malvado abuelo de Toy Story 2 que solo quiere asegurar su vida como juguete de colección, pasa con los juguetes deformes de Toy Story 1 cuya vida fue marcada a fuego por el maltrato de su dueño y pasa con el Oso de Toy Story 3, el cual culpa al abandono de su pequeña dueña a sus malas intenciones. Y es en "Toy Story 3" (ahora con 24 años pero igual de pastel que a los 14) donde esto toma más fuerza. Ya no se hacen las introducciones, nuestros personajes ya pertenecen a nuestro mundo colectivo, nos conocemos y nos conocen, el foco de esta cinta se centra en brindar una despedida correcta, así como el final de LOST, Pixar busca darle el gusto a su audiencia por sobre entregar una apuesta arriesgada e innovadora. Lo innovador no se encuentra en su forma pero si en su fondo. Pues nuevamente Pixar comienza relatando su historia con la principal disyuntiva de la trama en su inicio. En "Wall-e" fue la soledad de un robot destinado a limpiar un planeta desolado. En "Up" fue la tristeza de un adulto mayor que ha quedado solo en su vida tras la muerte del amor de su vida (notable!). Y en esta ocasión trata del crecimiento de las personas, del olvido de la niñez y el abandono de nuestros sueños de infancia, representada en el desuso de los juguetes que alguna vez marcaron nuestra vida. Vaya comieno atronador ese de los juguetes desesperadamente llamando la atención para que su amo al menos se acuerden que existen. Así como el momento peak de esta saga donde los protagonistas enfrentan la muerte y deciden someterse a su destino, son estos momentos que nos dicen que estos juguetes han aprovechado estos 10 años de su ultima entrega, han crecido, reflexionado, madurado... o tal vez somos nosotros los que lo hemos hecho? Ya no sé si con el pasar del tiempo me he vuelto sensible, pero es la 3era película seguida de Pixar con la cual lloro, no de tristeza, sino por la belleza de lo que veo, lloro frente a la perfección hecha emoción, lloro de alegría. Pero lloro a fin de cuentas.

Sólo aquellos seres duros de corazón, con alma de anciano que ha visualizado los males en la historia, con una fe enraizada en que el ser humano es malo por naturaleza, puede no doblegarse frente al final de esta cinta. Un final. alguien dijo LOST?, emotivo por sobre todas las cosas, un final díficil, muuuy dificil de pensar, pero que cierra capitulos, que no intenta darnos una lección, pero si decirnos que nada está dicho en nuestra vida, que todo queda a la mano de nuestras decisiones. "Toy Story" no es la mejor entrega de Pixar (la es "UP" por lejos) pero si la más completa, aquella que la haces parte de tu familia, pues con ella creciste. 10 años tardaron en brindarnos este final, 10 años más esperaría si acaso hubiese llegado a saber de que se trataba de esto. "Toy Story 3" es el final de una saga que aumentó su calidad con el paso del tiempo y que eleva a Pixar al Olimpo. Gracias por todo este tiempo compartido.

Calif: 9/10 Buzzbailaflamenco Awards Un abrazo a todos. Chamelo.

Review: "La Vida de Los Peces" (2010)

2010-06-19T20:25:00.006-04:00

Nunca me han podido gustar los peces. Me recuerdan todo aquello triste que tiene vivir en un acuario, con esa falsa sensación de libertad, y sin otro fin que decorar las habitaciones. Los peces me hacen recordar lo triste que puede ser una vida sin recuerdos, sin mirar el pasado, sin aprender de lo vido.

Lo de los peces es pura y simple intrascendencia, como seres faltos de memoria de corto plazo, su memoria no ha de superar los 2 segundos, todo lo que viven es nuevo y fugaz, toda su vida es sensibilidad y emociones, nada perdura, nada se aprende. Así es la vida de los peces. Matías Bize nos vuelve a brindar una historia de aquellas, no de amor, no romanticas, sino de relaciones humanas, y de eso presente en todas las dinamicas de pareja. Este concepto se repite ya en todas las cintas del director nacional, parejas con problemas reales afrontando situaciones cotidianas, dialogos imperecederos y el amor como elemento transversal a ellas. ¿Que nos trae de nuevo "La Vida de los Peces"? primero que nada un trato fotografico inusual para cintas nacionales, detalles de luces y colores que se agradecen (y que dicho sea de paso, hace que la experiencia de ver la película en la pantalla grande sea rentable), en segundo lugar una banda sonora acorde con la tónica de la cinta, una suerte de ese folk indie que termina conquistando a todos y ese pop actual creado para acentuar la soledad de los protagonistas.

Y en 3er lugar nos trae de vuelta a Santiago Cabrera, cuya destreza actoral queda demostrada, lo cual resulta muy adecuado puesto que ningún de los coprotagonistas de Blanca Lewin habían quedado a la altura de su calidad interpretativa. Santiago Cabrera, el pintor latino de "Heroes", esconde perfectamente su acento gringo (aprende Amaro), e incluso lanza uno que otro improperio chileno, pese a que la película esta narrada en un forzado castellano prolijo para sus fines comerciales internacionales (que se refieran a la "novia" en vez de la "polola" en una cinta chilena es más que inusual).

Su personaje, un tipo que se dedica a redactar artículos sobre resorts turisticos a lo largo del mundo y que tras 10 años decide a volver a Chile para reencontrarse con un amor del pasado, es el clásico estereotipo del sujeto moralmente correcto y virtualmente víctima de los acontecimientos con el cual el espectador tiende a solidarizar, lo cual, fuera de lo marqueteado de su papel, resulta un mérito del actor. Nunca he sido fan del cine chileno y su afán de autocatalogarse tercermundista, pero "La vida de los peces" es una obra que escapa a la norma, el producto de Bize hasta la fecha, y quizás con uno de los mejores finales de la historia del cine chileno. Un excelente ejercicio de cine y de interpretación actoral, recomendado para ver en pareja o solitario en la casa. Buen retrato de la idiosincracia chilena actual, sobre todo de aquella parte de la juventud que no se siente representado ni por "Yingo", "Calle 7" y similares.

Blanca Lewin debe dar el salto al extranjero ya, antes que las malditas teleseries chupen lo mejor de ella. Calif: 8/10 Pedropiedracantaenlapelicula Awards

En el fondo, nadie quiere ser como los peces, y olvidar todo lo que somos, más al parecer lo hacemos buscando respuesta a aquello que muchas veces queremos negar. El reencuentro en esta cinta se centra en eso, nuestra discapacidad para enfrentar el olvido y el pasado, y como las relaciones anhelan siempre tiempos mejores. Envidiamos a los peces y su capacidad para reinventarse a si mismos cada 2 segundos.

Un abrazo, Chamelo

LOST: THE END (… mi final)

2010-05-27T10:26:00.004-04:00

Antes de comenzar esta difícil tarea, agradecer a todos los blogs e internautas que alimentaron este comentario con su visión de esta emotiva Finale. Expresar que las polémicas creadas en torno a este final episodio responden a la naturaleza de la serie, donde la narrativa se entremezcla con el misterio. No oculto mi disconformidad con gran parte de la 6ta temporada, ahora bien, admito, la Finale jugo con mis emociones de manera inteligente y me brindo un cierre muy acorde a la tónica de la serie. En fin, vamos allá. Al fin comprendemos el sentido exacto de las palabras de Juliet en el primer episodio de la temporada, su enigmático "It worked" (Ha Funcionado) mientras agonizaba, comentando también ir a tomar café y pagar a medias. Resulta, como sospechábamos, que al agonizar entrevió la línea alternativa (conocida también como flashsideways). Pero el "It worked" no se refería a la bomba, como podríamos haber pensado, sino a una simple máquina de chocolatinas. Cuando James Ford la desenchufa y la vuelve a enchufar, el truco funciona y es posible recoger el chocolate (una chocolatina Apollo, por cierto, ya saben, como el dios de la luz y el sol). Inmediatamente después hablan de ir a tomar café, antes de recordar al fin. Todo eso mientras muere en brazos de Sawyer…

Como no conocíamos la naturaleza de la línea alternativa, resultaba difícil comprender su relación con la isla. Creíamos que quizá se refiriese a la bomba porque en la esta otra Línea la isla está hundida y da toda la impresión de que ese hundimiento se produjo en el momento del incidente. Pero resulta que la realidad paralela es en gran parte una mentira

O, visto desde otro punto de vista, la línea alternativa es fundamentalmente verdadera.

Es falsa en el sentido de que no forma parte de nuestro mundo. Es un limbo, un presente eterno por el que pasan las almas antes de dar el paso final al más allá. Es un punto de encuentro y en este caso particular, el punto de reunión de nuestros perdidos. Tal y como explica Christian Shephard, es un mundo consensuado para reunir a gente que pasó por la experiencia de la isla, la más intensa de sus vidas y por tanto la que les define totalmente. Para algunos personajes, muchos años después, en el momento de morir, la isla sigue siendo lo más importante que les ha sucedido.

Pero desde otro punto de vista, esa realidad consensuada que existe, como explica Christian, en un eterno ahora, es más real que cualquier otra cosa. Es una vida de la mente. ¿Y no son nuestras vidas en el fondo realidades mentales, estados más o menos complejos de nuestras consciencias? Si experimentamos algo como real, ¿no es real en sí mismo? Después de todo, la realidad que conocemos y damos como existente bien podría ser un espejismo compartido. En esta línea alternativa, cada uno se ha edificado el mundo que le hubiese gustado tener, cada uno vive la vida que podría haber sido. Kate, por ejemplo, es una fugitiva de la justicia, pero es inocente (como no se cansa de repetir). Sayid protege a Nadia y evita que le pase nada malo. Desmond tiene el reconocimiento de Widmore. Jack tiene un hijo. Juliet trae al mundo bebés sanos. Sawyer es de los buenos. Charlie tiene su banda. Hurley es millonario y querido por todos. Y así uno tras otro. Pero es un lugar de paso, un punto en la eternidad. O mejor dicho, es la eternidad. No hay principio. No hay fin. Nuestra mente imperfecta no puede concebirla sin tiempo, así que hemos visto el desarrollo de la esta realidad paralela como si de una sucesión temporal se tratase, y probablemente los que la habitan también la perciben así. Cuando mueres, pasas por ese limbo. Luego, cuando comprendes lo que te ha pasado, cuando estás dispuesto a "let go"(dejarte ir), estás preparado para ir al otro lado. Puede llevarte un segundo o un millón de años, pero da igual, porque en el limbo sólo existe el presente. Debes aceptar tu situación, debe aprender a renunciar.

En esta suerte de purgatorio, es que el final de Lost ha marchado sobre estas ideas y el resultado ha sido enteramente sofisticado. Ha hablado de la posibilidad, remota, de generar una ilusión en la que todo vaya bien. Pero los personajes han muerto ya. Las imágenes elegíacas del avión estrellado no eran una ensoñación, como de un modo confuso han interpretado la mayoría de media, sino otra cosa.: un rastro. El universo alternativo en el que transcurre la serie es un Limbo. El papel de Desmond, el hombre que viaja entre las realidades y entre los mundos, era claro: recuperar la Memoria compartida, la memoria de la isla. Memoria, que por cierto, es la gran metáfora del fan, marcado por el directo de la serie (proporcionado por Internet): es nuestra memoria porque son nuestros últimos seis años Para nuestros perdidos, el limbo empieza en el avión. Ése es el punto de referencia de sus vidas, el lugar donde la mayoría de ellos se encontraron, donde empezó su aventura en común. Al avión hemos vuelto una y otra vez a lo largo de la serie, y en la sexta temporada los personajes de esta línea alternativa (¿podemos llamarlo ya Limbo?) han vuelto continuamente a ese momento inicial. No es de extrañar, porque es el punto de nacimiento de su mundo. Sólo que en el Limbo no hay nacimiento ni muerte, no hay principio ni final.

Comprendemos ahora las referencias a no estar preparados. Desmond dice de Ana Lucía que no está preparada, su proceso de renuncia no ha concluido. Y lo mismo le dice Eloise a Desmond, aunque ésta tenga una razón algo más egoísta para intentar evitar la iluminación de los demás, más comprensiblemente egoísta. Eloise es también una iluminada, sabe perfectamente dónde está, pero quiere disfrutar un poco más de su hijo, hijo que en la isla tuvo que sacrificar. Nadie se lo puede reprochar. Una de las frases recurrentes de Lost –de las que, por cierto, hay muchas en este episodio- es precisamente "Live together, die alone" (Viven Juntos, Muere Solo), una versión condensada de la receta de Jack para la salvación: "Either we live together or we die alone"(O vivimos junto o morimos solos). Esas personas, las que se encuentran al final en la iglesia, vivieron juntas, en la isla, compartieron una experiencia intensa. Y luego murieron solas. Cada una en su momento. Porque así es como morimos todos. Solos. Y cada uno en su momento. Kate y Sawyer, por ejemplo, escaparon de la isla al final de su aventura. Fueron de los pocos supervivientes. Pero murieron en algún momento. Y allí se encontraron con todos los demás. Incluso con Jack, que murió muchos años antes, como en cierta forma nació, entre el bambú de la isla. Por eso Kate dice que le ha echado de menos. Porque esas personas no recuerdan sólo su periodo en la isla, sino que recuerdan toda su vida. Un ejemplo evidente, sabemos que Hugo ocupará el puesto de protector de la isla, mientras que Ben hará de segundo al mando. Y precisamente a eso alude Hugo cuando le dice a Ben que fue un buen número dos. Ben, por ejemplo, que a pesar de recordar toda su vida, a pesar de saber que está muerto, prefiere disfrutar un poco más de su situación, quiere disfrutar un poco más de una vida que se parece a la normalidad. Pero debemos entender que en el Limbo no hay tiempo. Puede demorarse un segundo o un millón de años. Da igual.

Pero lo que sí han logrado estos personajes es reunirse en el limbo. Quizá murieron solos, pero el último paso lo pueden dar juntos. En el tránsito final pueden estar juntos. Pueden reunirse en esa iglesia, Desmond puede ir despertando uno por uno a los que no estén despiertos. Rose, Bernard y él pueden ayudar a los demás a recordar. Y recordar es parte del proceso de renuncia a las cargas del pasado. Paradójicamente, recordar es parte del proceso de dejar atrás el mundo y poder seguir avanzando.

Y es Christian Shephard el que aparece para explicarlo todo, para contarnos que la isla les unió, que ahora están juntos por efecto de esa unión, que el viaje debe continuar. El personaje omnipresente en la serie, que reaparecía periódicamente, que todos sabíamos que estaría en el final. La luz final, la fuente y el fin de todo, una luz eterna. Quizá, como comentaba sobre el episodio anterior, la misma luz de la bondad. Posiblemente la misma luz de la isla, que ya sabemos que es muerte, resurrección y vida. Al final las almas se unen de nuevo a la luz. ¿Qué hay en la luz? Nadie lo sabe, porque es una región inexplorada de la que no regresa ningún viajero.

Es un final fiel a la serie.

Y además, hace total justicia a su título: "The End".

Después de ese punto, ya no hay más.

No es que la serie no haya tratado nunca el tema de la muerte. De hecho, la muerte es uno de sus temas más recurrentes. Ha habido muertes de todo tipo, desde grandes matanzas hasta muertes personales. La gente ha muerto por todo tipo de razones, desde sacrificándose por algo o encontrándose en el camino de una bala. Incluso hay personas que han tenido que morir para cumplir su destino, como Locke o Jacob. O en ocasiones la muerte ha sido el comienzo de algo, como la muerte de Claudia junto al nacimiento de sus hijos. Pero incluso la vida tras la muerte ha sido recurrente. Ya desde el comienzo, con Christian dando saltos por la isla, son muchos los personajes que han vuelto para contar algo. E incluso personajes como Hurley o Miles han sido capaces de conectar con ellos y hablar. La magia de los flashbacks nos permitía recuperar personajes desaparecidos. Y ya hacia el final, el propio Jacob renace brevemente para poder contar a los perdidos qué deben hacer.

Y en cierta forma, la naturaleza final de la Línea Alternativa es la última gran ironía de la serie, de una serie cargada de ironías. Una de las hipótesis desde el principio de la serie era que los protagonistas habían muerto y se encontraban en una especie de limbo. Resulta que no, todo lo que pasó en la isla era real. Lo que era el limbo era precisamente esta realidad alternativa, la línea feliz. Y otra gran ironía fue que creíamos que veríamos un final sobre el enfrentamiento entre los perdidos y el humo negro sobre el control de la isla, pero lo que tuvimos sobre todo fue un final sobre los personajes, sobre sus sueños, sobre cómo les gustaría haber vivido y sobre la vida que tuvieron. Muchos vivieron un buen montón de años después de los acontecimientos de la isla. Otros murieron mucho antes de que todo terminase. Pero en el momento final de la serie, lo importante siguen siendo ellos. Son ellos los que vuelven a reunirse. Son ellos los que siguen juntos. Incluso en la muerte.

Lo que no nos imaginábamos, quizá no podíamos imaginar, es que nos fuesen a contar incluso el tránsito del alma, el periplo desde que abandona el cuerpo hasta su destino final. Visto ahora, desde el final, es casi obvio. Las referencias a los espejos, los niños inexistentes, ese ataúd que se pasea por el mundo, las casualidades repetidas. Nos habían contado el pasado de los personajes en los antiguos flashback, nos contaron lo que pasaron en la isla y al final decidieron contarnos el final de todos ellos.

Lo importante siempre fueron los personajes.

Lo demás que se veía en la serie eran cosas que les pasaban. O detalles del entorno, como la isla misma. Pero nada de eso era realmente tan importante como los personajes.

Ver a Locke finalmente feliz vale más que cualquier explicación sobre la naturaleza de la isla.

Pero el final, final, lo da la línea de la isla, con la última escena. Jack, mortalmente herido, habiendo cumplido con su labor, regresa al bambú y se tiende para morir. Posiblemente, como Juliet, ya agonizando entrevé el otro mundo y sonríe al saberse rodeado de amigos. Y así es en cierta forma, porque a pesar de estar físicamente solo –excepto por la compañía de Vincent-, en el momento de la muerte se siente con sus amigos. Cierra los ojos, porque ahora está tranquilo y no tiene obligaciones que le retengan, y vemos un primer plano de un ojo, como el que iniciaba la serie, sólo que éste ojo está cerrado. Se acabó. El ciclo se completa.

Vincent está a su lado. Fue Vincent el que originalmente despertó a Jack entre ese mismo bambú. Le despertó por indicación de Christian Shephard, diciéndole que tenía trabajo por hacer. Y así era, tenía un trabajo importante. Su sacrificio sería vital para garantizar el éxito del plan. Jack debía entregar su vida para preservar la luz. La luz a la que regresa al morir.

Pero ni él ni nosotros habíamos entendido el plan.

¿Cuándo se fraguó el plan? ¿En qué momento del tiempo? Fue después de la creación del monstruo de humo, evidentemente, porque el plan era acabar con él. Quizá Jacob se cansó de que sus esfuerzos –eso de convencerle de que la humanidad era fundamentalmente buena- no sirviesen para nada. Pero el plan implica a Desmond, así que lógicamente, sólo puede ser después de saber que Desmond era inmune a la radiación electromagnética de la isla.Es posible que se supiese desde siempre, es posible que sólo después de la destrucción de la estación Swan. Si fue desde siempre, Widmore lo trató así de mal para mandarle a la isla. Si no, bueno, Widmore era un poco protector con su hija.

En cualquier caso, parece que esto fue lo que sucedió: En algún momento, sabiendo que Desmond era inmune a la radiación de la isla, Jacob le dijo a Widmore que lo trajese de vuelta. Desmond salió de la isla junto con los demás al final de la cuarta temporada. Sabemos que no deberían haberse ido, porque eran importantes. En particular, Desmond y Jack lo eran. No sé cómo le planteó Jacob la cuestión a Widmore, pero imagino que recurrió a su responsabilidad para con la isla. ¿Conocía Widmore el plan? Sabía, evidentemente, que Desmond era importante, un arma final, porque podía desmontar el mecanismo interno de la luz. Cualquier otra persona, de acercarse allí, se convertiría en un nuevo monstruo de humo.

Estoy convencido de que el plan fue siempre ése. Desmond debía desmontar el mecanismo de la isla, lo que privaría al monstruo de humo de sus poderes, lo dejaría convertido en humano, quizá incluso anulando temporalmente todos los poderes de la isla. Por supuesto, hay riesgos, porque detener el mecanismo de la isla implica apagar la luz, y apagar la luz de la isla implica la muerte de toda la humanidad. Pero si se hace bien, durante el tiempo justo, es posible matar al monstruo de humo, porque ahora es puramente humano. Por desgracia, luego alguien tiene que bajar a arreglar el mecanismo. ¿Quién? Pues el protector de la isla, que se sacrifica de esa forma.

Sin saberlo, o quizá consciente del peligro pero más interesado en la posibilidad de destruir la isla, Flocke se apunta a la idea de llevar a Desmond a la fuente de la luz. Ésa fue la gran contribución de Widmore justo antes de morir, contarle a Flocke lo de esa opción. ¿Sabía por qué murió? ¿Creía estar traicionado a Jacob y salvando a Penny o siempre supo cuál sería su papel? ¿Debía morir para pagar sus culpas? Lo de Desmond es todavía más curioso. Desmond Alternativo, al encontrarse con Penny y tras ser convenientemente dirigido por Charlie y por Daniel, recordó la vida en la isla. No, no es cierto, recordó toda su vida, hasta el momento de su muerte, que no sabemos cuándo se produjo. Lo último que sabemos de él es que Hugo y Ben se preparaban para enviarle fuera de la isla, con su mujer e hijo, para que viviese en paz. Murió, queremos creer, muchos años después. En cualquier caso, recordó todo eso al encontrarse con su gran amor.

A veces es el amor. A veces es la muerte. A veces es el contacto con una nueva vida. Cualquiera de esas vías es buena para recordar. Y el recuerdo es el paso previo para el perdón, como Locke perdona a Ben, y también requisito indispensable para deshacerse de las cargas. Jacob explicó que la isla retenía una enorme fuente de maldad. Imagino que los poderes del humo negro derivaban de esa fuente de maldad. Al detenerse el mecanismo, esa conexión se interrumpió. En ese momento Jack pudo atacar y hacerle daño. El enfrentamiento final con Flocke se produce en el acantilado, justo sobre la cueva de Jacob, con toda la isla desmoronándose a su alrededor. El barco de la huida –para Flocke- o de la salvación –para los demás- se ve cerca. Poco antes han descendido a las profundidades de al isla para detener el mecanismo, como quien desciende al inconciente. La pelea luego en la superficie, se produce justo sobre la cueva que parece representar pulsiones internas. Y la pelea entre Flocke y Jack es más una lucha entre instintos. No es tanto bien y mal, como el instinto de supervivencia contra el deseo de morir. (Lo cual da a pie a quizás la mejor escena de la serie, la más emocionante y esperada, tremenda)

Y es Kate la que dispara y pone fin a la pelea. Es la que deja suficientemente incapacitado a Flocke como para que Jack acabe con él. Es lo que la serie siempre ha defendido y se manifiesta una y otra vez en este final. La necesidad de estar unidos, la participación de todos para lograr el fin que se pretende. Es cierto que es Jack quien se sacrifica por todos los demás, quien ha recibido una puñalada, quien se está desangrando, quien pronto va a morir. Pero sin los demás no podría hacer nada. Si Jack es un héroe es porque se apoya en el sacrificio de otros muchos.

Y lo mismo sucede en el limbo. El despertar de un buen montón de perdidos (ya en el avión, toda la conversación entre Boone y Locke gana mucho si pensamos que Boone ya estaba iluminado en ese momento, que ya sabía. Lo mismo pasa con lo que Rose le dice a Jack) se debe a un esfuerzo colectivo. Lo inicia Desmond, pero luego va requiriendo la colaboración de muchos otros. El último en despertar, Jack, precisa de varias intervenciones, hasta la intervención final del ataúd de Christian Shephard, para lograr la iluminación. El "let go", con sus ecos budistas, es una tarea complicada. Posteriormente, es Jack el que debe descender a la entrañas de la tierra, al corazón mismo del mundo, para reactivar el mecanismo. Y de nuevo, debe hacerlo en colaboración. De hecho, todo el plan es una gigantesca colaboración –voluntaria o no- entre cientos, incluso miles de personas. Empezando por Jacob, pasando por los Otros, por Richard, por Widmore, por Ilana y acabando en los perdidos, el plan es común.

Dije antes que el plan consistía en parar la máquina, en detener a Flocke y en ponerla en marcha otra vez. Pero eso es digamos, la parte final del plan, un detalle de implementación. El plan realmente era el de siempre. Demostrarle al hombre vestido de negro que hay bondad en el corazón humano. Demostrarle que es posible que los seres humanos colaboren y se sacrifiquen por algo más importante, por el bien de todos.

Cuando Jack vuelve a colocar la piedra y reactiva el mecanismo, lo que está haciendo –aparte de salvar a la humanidad- es poner la última letra de un mensaje para el hombre vestido de negro:Jacob tenía razón.

Después de 2.000 años, le demostró que tenía razón.

Y por desgracia para él, el hombre vestido de negro se equivocaba.

Eso es lo que le derrota, no haber entendido esa capacidad para el bien. Creía que amenazando, obligando, sobornando podría lograr sus fines, podría escapar al fin de la isla. No podemos echárselo en cara. Tuvo muy malas experiencias y es lógico que no entendiese la lealtad, el amor y la amistad. Habiendo sido traicionado por los seres que más quería, es normal que no lo comprendiese. Hurley y Ben ayudan a Jack a descender al interior de la isla. Como sabe que sus minutos están contados, Jack pide a Hurley que sea el nuevo protector. No quiere dejar ese asunto sin resolver. Y al descender, se toma su tiempo en ayudar a Desmond, quien ya ha sufrido más de lo que merecía. Incluso la huída de los otros perdidos, los que escapan en el avión –que pilota Lapidus. Sería capaz de dar la vuelta al mundo en un avión de papel-, es producto total de la colaboración. Richard y Miles ayudan a Lapidus a acondicionar el avión. Kate y Swayer se detienen para convencer a Claire de ir con ellos. Incluso en medio del desastre, hay tiempo para la bondad, para ayudar a los demás. Tiempo para arriesgarse por los demás.

Jacob al fin encontró un grupo de personas dispuestas a comportarse con humanidad.Y eso que al empezar muchos de ellos eran seres ariscos, solitarios, poco dispuestos a inmiscuirse. Incluso egoístas. Pero los años en la isla les han sentado bien. En eso Jacob también tenía razón. Ellos necesitaban más a la isla de lo que la isla los necesitaba a ellos. En cierta forma, Jack es el último componente del régimen de Jacob, él último de los guardianes de la isla que tiene que lidiar con el problema del humo negro. A Hugo le cede una isla ya limpia, una isla sobre la que se puede edificar algo importante, una isla que ya no está marcada por la mancha del humo negro. En cierta forma, sí que hay un gran reset en esta serie, pero se produce al volver a colocar la piedra. En cierta forma, la isla comienza de nuevo, renovada. Hugo ahora puede crear sus propias reglas, habiendo quedada anuladas las anteriores, con la ayuda de un Ben definitivamente que ahora empieza su camino de redención. El mando de Hugo será más humano, más orientado a las personas. La guerra ha terminado y la rigidez marcial ya no es necesaria.

Y eso ha sido toda la serie. El largo proceso de redención de los personajes, que aprendieron a sacrificarse unos por otros. Todos formaron parte del plan, todos pusieron su granito de arena para demostrar que la humanidad es capaz de hacer el bien. Todos compartieron esa misma experiencia. Fue su gran obra colectiva. Y eso les une. Lo último que ve Jack antes de morir es el avión escapando. En él van varios personajes que vivirán sus vidas a partir de ese momento (iba a decir que a menos que se estrelle el avión, pero lo pilota Lapidus y ese avión no se estrellaría ni aunque se quedase sin combustible). En la isla quedan Ben, Hugo, Desmond, Rose y Bernard. Pero esas personas ya no son problema suyo, sino de Hugo, el nuevo protector humanizado. Por primera vez en mucho tiempo, la isla dejará de ser un campo de batalla y la dirigirá un hombre de paz.

La guerra ha terminado. Pero al contrario de lo que suele pasar en la mayoría de las guerras, de ésta la humanidad ha salido reforzada.

La serie se cierra con la muerte feliz de Jack que pasa al limbo que hasta ahora llamábamos la línea alternativa. Ahora que sabemos lo que era, la antesala del más allá, el espacio intermedio entre la vida y lo que sea que hay después, podemos comprender algunas de sus características. Las casualidades, todavía mayores que en la realidad, el cruce continuo de personajes. Incluso el hecho de que la línea pareciese a medio hacer, que continuamente se reajustase para adaptarse a las expectativas de sus habitantes. Incluso la lectura platónica, porque efectivamente los personajes recuerdan lo que les sucedió en vida como si ésta fuese una ilusión, que en cierta forma lo es. La serie ya había hecho muchas referencias a las religiones. Ya habían salido curas, ya habían salido milagros, ya habían salido creencias espirituales de todo tipo. Pero creo que la reunión final en la iglesia tiene como fin reconocer el esfuerzo de esas personas, el sacrificio que realizaron (En una iglesia que, por cierto, reúne en sí a todas las creencias y religiones). Juntos preservaron la isla y por tanto merecen acompañarse. En su limbo hay ecos de las creencias egipcias, que consideraban la vida en el más allá como un reflejo –mejor- de la vida que la persona hubiese llevado. De ahí, probablemente, las continúas apariciones de espejos.

¿Cuál ha sido el sentido de la esta realidad paralela? Creo que ha sido preservar los personajes. La línea Alternativa nos permitió verlos en otras circunstancias, en sus personalidades modificadas por la isla. Si en la primera temporada los flashbacks nos permitían ver de dónde provenían, la línea alternativa nos permitía comprobar lo mucho que habían cambiado y lo diferentes que serían sus vidas de haberlas vivido con su nueva visión de las cosas. Porque Lost siempre fue una serie sobre personajes. Fue lo que nos atrajo del piloto y lo que mantuvo el interés durante los años. Esas personas en concreto eran más atractivas que cualquier misterio. La isla, su origen, su naturaleza eran simplemente menos importantes. Incluso el monstruo de humo, que parecía un misterio puramente mecánico, se reveló finalmente como una personalidad trágica atrapada en un destino que no había escogido. ¿No fue mejor así? ¿Habríamos cambiado la historia del hombre vestido de negro por una relación de pesos atómicos? Se podría haber hecho otro final, efectivamente. Pero la serie ya había elegido el suyo. La Realidad Paralela ya nos había centrado de nuevo en los personajes, por lo que estaba claro que ellos serían los protagonistas. En todos los demás casos, como dejaron claro "Across the Sea" o "What They Died For", la explicación sería de naturaleza sobrenatural o mitológica, aprovechando las resonancias que el mito tiene con nuestra comprensión del mundo. Desde el punto de vista de la serie, la luz y la naturaleza última de la isla, no tienen demasiado interés. O mejor dicho, omitir la explicación hace que el resultado sea mejor, porque sitúa una historia de sacrificio frente a un fondo enorme que nos parece descomunal precisamente por no entenderlo.

Aún dentro de esos parámetros, me esperaba cierto final para la serie. Me alegra poder decir que el final ofrecido es mucho mejor, me resulta mucho más enternecedor, mucho más humano y mucho más interesante que el que yo había imaginado. Es un final lleno de detalles y sutilezas sobre el comportamiento humano que resaltan la complejidad fundamental del universo de Lost. Me alegra que los guionistas se hayan resistido a la tentación de ofrecer cualquier otro tipo de final.

Me alegra que pensasen ante todo en los personajes.

Con ello no sólo han cerrado brillantemente la serie, sino que también la ha convertido en una obra que podremos revisitar y comentar durante años.

Ciertamente creo que guardaré algo de Jack en mi interior al tomar mis decisiones, y algo de Locke, cada vez que enfrente un obstáculo en principio inalcanzable.

Gracias LOST por recorrer conmigo estos últimos 6 años.

Dedicado a Manuel, Leslie y Paula, quienes me insertaron en el complejo mundo de LOST (aunque ninguno de ellos terminaron este camino). Gracias a mi novia, que me conoció con esta enfermiza adicción y aún así se mantuvo conmigo hasta el final. Y un abrazo a mi viejo querido y a mi abuelo, a los cuales hice parte de esta maravillosa travesía perdida en una isla de fantasía.

Un abrazo muy sentido, Chamelo. PS: Adjunto reflexión de Nacho Vigalondo, gran director español, respecto al fin de la serie:

El conflicto entre hombres de ciencia y hombres de fe no terminará nunca porque la ciencia, por naturaleza, jamás resolverá las razones últimas de la existencia, el punto cero que los religiosos exigen. Como en la ciencia ficción más honesta hacia la experiencia humana (la que escribe Stanislaw Lem, Arthur C. Clarke, Philip K. Dick, Bioy Casares, Borges o Stephen King) no somos capaces de comprender el total... aunque seamos capaces de comprender el drama.

Hugo, la representación del fan dentro de la serie, se convierte en el nuevo protector de la isla. ¿Hay una forma más bonita de decirnos que, a partir de ahora, el legado de la serie es cosa nuestra?

Agradecimientos especiales a los blogs: (Freaks City, PJorge, McGuffin, y otros, que me ayudaron a construir este comentario para dar sentido a mis palabras al momento de intentar expresar lo que sentía, gracias de nuevo)

Realidad Paralela, Fringe 2x22 (Review)

2010-05-16T21:44:00.006-04:00

"Over There" Part.1 No se viene con cosas chicas, lo suyo es una exposición directa de aquella realidad paralela de la que tanto se nos habla. Para empezar tenemos los autodenominados "Cortexhipan Kids" algo como los Xmen de Xavier, pero esta vez refiere a los chicos de Walter, poseedores de especiales habilidades al igual que Olivia, juntos logran abrir un portal a esta realidad alternativa donde prima la tecnología de primera y los avances modernos. Instalados en esta nueva realidad podemos ver al equipo Fringe B, que nos trae de vuelta a nuestro Kirk Acevedo y otro miembro del grupo que termina calcinado. Este equipo trabaja con avanzada tecnología en el diagnostico de las rupturas del universo, de la mano de un Walternate, un Walter a cargo de la Defensa del Estado. En esta realidad los billetes de 20 dólares (así es, el del puto enigma de las torres gemelas y bla) no poseen el rostro del Pdte. Jackson, sino que el de Martin Luther King que seguramente en esta realidad corrió mejor suerte. ¿Podríamos hablar de una realidad sin racismos? Así también un plano general de la ciudad nos muestra una estatua de libertad de un color más bien café asociado al cobre. Debemos recordar que la Estatua de la Libertad original presenta un color verde pues está forrada de laminas de cobre, con el efecto del salitre marino se ha vuelto color verde... o sea se debe al óxido. Es posible estimar que de no producirse esto, el color que pudo haber mantenido haya sido ese... tarea para la casa. Olivia, así como su jefe, presentan algunas diferencias, en su forma de ser, y en el caso de ella, en su look. Además todo indica que sentimentalmente Olivia ha sido una chica más afortunada en esta realidad pues vive feliz con su novio. El tatuaje en su nuca es algo que es posible suponer marca una diferencia. Otro detalle, este cartel nos habla de la serie "The West Wing" que transita en su 11º temporada, siendo que en "nuestra realidad" esa serie acabó el 2006 con 7 temporadas en su haber. "Reelected!" incluso nos señala el aviso, como si la trama de la serie se centrase en la reelección del personaje principal, nuevamente vemos a un politico de color, trabajando nuevamente el tema del pluralismo en ese universo. Tal como pasó en la Segunda Temporada, Fringe ofrece sus mejores momentos cuando la trama se centra en la historia vertebral que sostiene a los protagonistas, han decidido soltar todo el arsenal ahora al final, justo a tiempo pues los peligros de continuidad acechaban. Notable son las especulaciones de Peter como el "arma que puede destruir el universo". Se viene un gran fin de temporada.

Saludos, CHAMELO

6x15 "Every question I answer will simply lead to another question"

2010-05-12T20:47:00.005-04:00

Algunos apuntes del 6x15 de LOST, contados a modo de historia.

Erase una vez una chica de 9 meses de embarazo, Claudia era su nombre. Por algún motivo su embarcación termina en una isla donde una vieja loca la recibe, le empieza a hablar en latín y, por algún otro motivo, termina hablandole en inglés. Esa vieja loca parece estar sola en la isla y le brinda ayuda, sobretodo al momento del parto.

Cuando Claudia da a luz, se da cuenta que en vez de una guagua, eran dos! (GOLAZO) lamentablemente solo había pensado en un puro nombre así que la guagua que llega en segundo lugar se queda sin nombre, pobrecito. Nosotros le vamos a decir Hermano de Jacob.
La vieja loca se enoja porque no le pone nombre al bebé así que no encuentra nada mejor que matar a Claudia a punta de roca en la cabeza, ya que en ese tiempo no existían almohadas para poner sobre la cabeza.

La vieja loca de la isla asume como mamá de los hermanitos, esta señora es un poco rara, pero sabe cosas, como la localización de una fuente (la Fuente) que resulta ser "el corazón de la isla", "la manifestación física de la vida, la muerte y el renacer". Y, por algún otro motivo más, parece tener poderes pues le concede a sus "hijos" la vida eterna y la imposibildad de hacerse daño mutuamente, o sea, se pueden pegar como enfermos pero nunca matar. El Hermano de Jacob es más vivo, y se da cuenta que la viejuja no es su mamá, además porque, igual que Hugo, ve a los muertos y entre ellos a su verdadera madre. Decide virar para un campamento donde hay gente que ha llegado a la isla y trabajar en la posibilidad de escapar de la isla.

Para escapar de la isla, tiene que encontrar la Fuente, a pesar de que la viejuja loca le advierte que si ingresa allí le espera un final peor que la muerte. Jacob por su parte, es como el tipico hijo ñoño (quien dijo Y Bosnia?) que juega con los abuelitos, lava la loza y se acuesta temprano. El es designado como protector de la fuente tras tomarse un vinacho con su mami. Jacob se junta cada cierto tiempo a jugar con su Hermano, él le cuenta que está a punto de pillar la Fuente, y que ideó un sistema para canalizar su energía, otro motivo no explicado, y lograr escapar de la isla.

La viejuja loca, al enterarse de esto le da la locura aguda y se pitea a todo el pueblo del Hermano de Jacob y todas las construcciones edificados para la Fuente (como lo hace una vieja loca, ni idea). Cuando el Hermano de Jacob llega, va donde su super mami y se la pitea de un cuchillazo.

Jacob se percata de esto, y agarra a coscacho limpio a su hermanito. Lo agarra de un ala, y le dice "Querí Fuente CTM! Toma Fuente!" y lo tira a la vertiente que da hacia ese lugar, con la mala cuea de que al lanzarlo se pega con tutti en la cabeza y queda K.O.
Inconciente el Hermano de Jacob cae dentro del lugar prohibido, la Fuente, y sorpresa! La luz se consume y surge de las profundidas una enorme hilera de humo negro frente a los ojos de plato de Jacob.

Un poco más allá, Jacob encuentra el cuerpo sin vida de su hermano. Al Hermano de Jacob le esperó algo peor que la muerte, al ingresar a la Fuente liberó a la Maldad de la Islaconcebida en el Humo Negro y por alguna razón, el alma de Hermano de Jacob quedó capturada al interior de ese Monstruo, pues su capacidad de transformarse en otras personas y en Humo sigue siendo limitada al hacerle frente a su hermano, Jacob.

Humo Negro. ¿Hemos visto su nacimiento? Entiendo que sí, que la nubecilla de las narices estaba encerrada en lo profundo de la Fuente, por mucho que no acabe de pegar mucho eso de que lo más oscuro de la isla conviva con la más pura luz. La Madre dice: "If the light goes out here... it goes out everywhere". Si la luz se apaga aquí, se apaga en todas partes. O bien: si la luz sale de aquí, se extiende por todas partes. Es un poco la idea que tenemos del Humo Negro (el Locke del presente) saliendo de la isla: el caos absoluto.

De algo si nos damos cuenta, Nuestros "Adan y Eva" de la primera temporada, no son otros que la viejuja loca y el Hermano de Jacob, ambos cuerpos tomados de la mano son dejados en las cavernas que ocuparía Jack como protección en los primeros captiulos de la serie (que pequeños resultan a nuestros ojos esos episodios, solo veiamos la punta del maldito iceberg actual!). El blanco y el negro, esos colores presentes en toda la mitología adquieren sentido ahora, así como la indefinida lucha del bien y el mal. ¿Quien decide qué es bueno o malo ahora?

En fin, todo queda abierto ahora.... quién será el proximo incauto que se beberá el vinacho del honor?

Saludos.
Chamelo.

Reflexión de la mano de "Date Night" y "Iron Man 2"

2010-05-09T19:15:00.007-04:00

La comedia gringa es mi maldita debilidad. Efectiva, dinamica, reiventando clichés en cada minuto, simple, directa. Anclada eternamente en el carisma de los actores por sobre en el talento convincente de brindarle credibilidad a su papel. Es este tipo de comedia que nace en el laboratorio de la risa llamado "Saturday Night Live" el que nos brinda material para reir en peliculas y series, un tipo de comedia que ha creado estructuras de humor autovalidados en sus propias series y comerciales. Y es que se nos bombardea con esta especie de humor todos los días en todos los canales que observamos por la televisión, en los sitios webs se comparten miles de archivos con sketchs y gags con chistes del mismo calibre, la publicidad norteamericana recurre a esta comedia en cada uno de sus comerciales, y así, llegamos a las salas del cine guiados por estos parametros de comedia, que a esta altura ya son nuestros y personificados en nuestro caracter, convencidos de que esta cinta nos hará reir, pasar un buen rato, pero sabiendo en el fondo de que no hay nada que temer, se trata de una apuesta segura, nada de lo que voy a ver es nuevo, lo he visto de una u otra manera, el envase en que se me entrega es distinto. Sus personajes son más que conocidos por nosotros, Steve Carrell se ha consolidado como un referente en la comedia gringa actual y Tina Fey es, junto a la Srta. Sarah Silverman, uno de los escasos símbolos femeninos del humor actual. Por otra parte, Robert Downey Jr.; un tipo que armado de carisma y chistes ultraprobados nos hace sentir la sensación de afecto a su persona, todo lo que dice nos parece gracioso, ya en el trailer comenzamos a reirnos de sus pachotadas y su manera de enfrentar la vida nos resulta comiquisimo. No tenemos ni puta idea cual es la razón, pero entendemos que el tipo, el tipo es muy gracioso. Este lavado de cerebro que nos hace la comedia gringa, funciona a nivel sancionatorio también, castigando a aquellos que se escapen de las tónicas del humor que prima ahora, las palabras "humor negro" o "una película incorrecta" tienden a caracterizar a todos aquellos rebeldes que intentan hacer de la comedia el arte innovador que siempre ha sido. El placer sin duda es mayor cuando descubrimos nuevas vetas de humor inexploradas, donde el carisma propuesta por la comedia gringa convencional se contrarresta con buenas historias, narraciones firmes e interesantes dialogos y lineas argumentales. "Date Night" es un caballo ganador bajo cualquier apariencia, habría que ser alguien extremadamente amargado para no disfrutar con las clásicas desventuras de esta pareja newyorquina. La aparición de coestrellas de renombre como coprotagonistas es otro aspecto común en la comedia gringa, de alguna manera otorga a las cintas credibilidad y centralidad. Ya sea el tatita Mark Whalberg o la fugaz aparición de Will.i.am., todo se reune en un menjuje divertido, por cierto, pero nada nuevo. Recomendada para reir sin parar al final del día. "Iron Man 2" es el ejemplo de lo contrario. Su primera entrega nos maravilló por el inteligente uso de la comedia gringa al momento de describir los inicios de nuestro superheroe, el carisma de Downey Jr. nos motivó a visitar las salas pese a que la saga misma del acorazado robotico no se caracterizaba por un perpicaz humor ni estilo juvenil, en los tiempos donde los efectos especiales parecen estar al alcance de todos, son los detalles de las cintas los que nos hace acordarnos de ella. "Iron Man 2" no obstante apuesta por lo contrario, escenas implacables de batallas espectaculares y omisión del sujeto tras el Hombre de Hierro. Es por eso que la segunda entrega de esta saga nos deja un sabor de boca distinto, algo parecido a "si, está bien, pero me gustó más la primera".

Los carismas de los actores es el negocio de Hollywood hoy por hoy, son el alma de las peliculas por sobre los efectos de computadora, y será, por siempre, lo único irremplazable dentro de la evolución tecnologica dentro del mundo del cine.

¿Entienden ahora la razón por la que se nos bombardea con comedia gringa por todos lados? Es una tremenda apuesta comercial donde el gremio actoral y de guionistas se encuentra inolucrado, nosotros por nuesta parte, perdemos mucho poder decisión en términos de gustos de humor, y somos doblemente afectados con adaptaciones que buscan enmarcarse en estos términos (como la blandengue "Kick Ass" de Vaughn) omitiendo la esencia de su obra. Estamos llamados a seguir descubriendo vetas de humor y argumentos que nos agraden, no dejarnos llevar por las críticas y reseñas de otros (por más que eso haga que mi trabajo acá no tenga sentido), sino crear opiniones personales respecto a nuestros gustos. No hay gustos buenos ni malos, lo que hay son aficiones que se alejan o se acercan a los gustos populares. Ampliar nuestro radio de conocimiento es tan fácil como dar oportunidad a lo desconocido.

Espero poder seguir colaborando humildemente al respecto.

Un abrazo a todos. CHAMELO

Lost, y el Puto Candidato

2010-05-09T18:34:00.003-04:00

Seamos justos con LOST, lo del pasado episodio es un captítulo "cortacabezas", de esos marcados a fuego dentro de la mitología lostiana, aquellos que todos recordaremos una vez la serie finalice, uno lleno de emociones y lagrimones de los buenos (debo confesar que fueron muchos), ver a personajes principales desvanecerse para siempre es fuerte, siempre lo será. Seamos honestos con LOST, el pasado episodio fue una mierda desde el punto vista argumental, los guionistas han demostrado una falta de carencia estructural tremenda, los dialogos que no remiten a la historia principal son débiles y sin sentido, así como muchas de las decisiones que toman los protagonistas. Los personajes frente a la muerte y la tragedia parecen carecer de ambiciones y personalidad, una pena para una serie cuyo orgullo radicaba en su enorme capacidad de sorpresa. Nada del 6x14 fue sorpresa. Todo se nos fue entregando en bandeja. Se nos avisó con mucha distancia que nuestros, ahora inocentisimos, personajes fallecerían. Algo parecido con lo que pasó con la última temporada de Prison Break, hasta ahora toda la trama en la isla ha sido un relleno para la más antiguas de las verdades de LOST, "Todo siempre se ha tratado de Jack vs Locke". (Un Jack que ciertamente se asemeja cada día más a Locke, y un Locke que obviamente no lo es).

Queda demostrado que LOST es una serie que no respeta las convenciones, ni a sus fans, ni a sus detractores, no se molesta en nada en matar a 3 queridos personajes de un tirón, ni en un momento encerrar a personajes en una celda, luego liberarlos para hacerlos caminar por toda la isla en busca de un avión, para luego decidir ir a un submarino, para luego intentar escapar de él y terminar,como siempre, de vuelta en la isla. La muerte de los asiaticos ha sido lo más emotivo de la historia de la serie. Inexplicable el afán qe tenían de hablar en inglés en el lecho de su muerte en vez de su lengua natal. Por respeto, creo que cerraré mi boca, y esperaré ansioso el 6x15, avido de explicaciones y revindicaciones.

SUN, JIN & SAYID, R.I.P.

Saludos Chamelo

Review: "Kick Ass" (2010)

2010-05-02T20:57:00.005-04:00

Advertencia de spoilers y palabras soeces.

Fuck, no sé que detesto más, que una película sea mala, o que una película tenga tanto material para ser tremenda y termine siendo un fiasco. Seguramente, odio más el segundo elemento, sobretodo cuando se trata de adaptaciones al cine que no me dejan contento.

Y, lamentablemente, me pasó con "Kick-Ass". La historia nace en el comic de el extraordinario John Romita y el talentoso guionista Mark Millar, ambos se encargan de llevar a cabo la historia ilustrada más incorrecta e irreverente del último tiempo. Cargada de una violencia inusitada e injustificada, un lenguaje absolutamente inapropiado y un humor negro al más puro estilo gringo, "Kick-Ass" se caracterizó, en su corta publicación en papel, por ser un reflejo de aquellas peores facetas de la sociedad estadounidense y del nivel psicopatico que puede alcanzar a tener para los jóvenes del mundo del comic.

En sencillas palabras "Kick-Ass" es una puta patada en los testículos, donde ni el Papa ni el Presidente salen sin ser ofendidos. Narra la historia de Dave, un perdedor en Secundaria fanantico de los cómics de los superheroes que decide sin menor preambulo transformarse en uno. La gracia del relato es el código juvenil con que se narra, así como su incipiente estilo derrotista con que nuestro protagonista relata todo, no existe glamour en su presentación, tampoco historias de amor, ni beneficios obtenidos a partir de su heroica aventura.

Es más, en su primera noche de combatir la delincuencia, es apuñalado en el estomago, atropellado por un auto y hospitalizado por 6 meses, su cabeza rellenada con placas de metal y su cuerpo destrozado así como su espiritu. "Kick-Ass" es un relato de autosuperación, de sangre por litros, mucha violencia, mucho garabato, pero de un entretenimiento desencajante, de una calidad gráfica inedita en su tipo y de una agilidad en su relato que se agradece.

¿Qué pasa con la película entonces?
Matthew Vaughn tenía en sus manos una joyita, con todos los elementos claros para que se convirtiera en un paseo visual del tipo ultra-violento, pero Hollywood metió sus manos, el producto no sólo debe ser rentable, debe dar paso a secuelas, debe lanzar estrellas a la fama, debe capturar la mayor cantidad de público posible.

Esto desemboca en una calibración de lo incorrecto, la sangre existe pero no chorrea, los insultos son poco vivos, Kick-Ass sigue siendo un perdedor pero no posee carisma ni personalidad, nuestro protagonista se va al puto carajo! Es cierto que Chloe Moretz se roba el filme, HitGirl tenía todos los elementos para triunfar, pero cielos, lo que hace la industría es abuso, su personaje desarrolla historias que nunca existieron en el comic, todo el desenlace de la película es algo absolutamente impensado para la esencia de la historia escrita por Millar y Romita.

Es una pena también ver el horrible casting detrás de la cinta. Nicolas Cage se ha transformado ya en una masa indecente, sin forma ni personalidad, una mierda si piensan que tenía que encarnar al asesino despiadado de Big Daddy. Nuestro amigo Dave es encarnado por un nerd llamado Aaron Johnson, ni carisma ni presencia. La incorporación de McLovin no hace sino que "caricaturizar la caricatura" de Kick Ass, una suerte de lo que ocurre a Los Simpsons, una parodia de los chistes que ellos mismos inventan. Una dislocación del lenguaje digna de estudiar.

Los cambios en la historia injustificados, los pocos traseros que de verdad patea Kick-Ass, la ausencia de ese espiritu de revindicación y superación que rodea la obra gráfica, las horribles actuaciones de su elenco y la verguenza de su final, hace que "Kick-Ass" sea una pérdida dado el enorme material con que se contaba.

Calif: 6/10 Placas Metalicas en la cabeza.

Ps: Ojo, que detalles como la invulnerabilidad de Kick Ass, o la parentalidad de RedMist con el villano principal son revelados desde un comienzo, lo cual obviamente arruina gran parte de la trama. Puaj.

Review: La Saga Millenium

2010-04-24T23:28:00.004-04:00

¿Cuantos casos existen en la historia de escritores cuya fama ha subido como la espuma una vez fallecen? Tal vez demasiados.

¿Cuantos sujetos han sacado provecho de una abierta postura feminista en sus obras? En estos días, son aún más.

Un poco de esto, un poco de aquello, es lo que nos trae esta trilogía sueca publicada de manera póstuma (su autor Steig Larsson muere unos meses antes) que mezcla la clásica novela policiaca inglesa y norteamericana con desgarbados toques de violencia y revindicación femenina. Cuenta la historia de un periodico de naturaleza rebelde y combativa cuyos artículos desmenuzan las peores corrupciones de la sociedad europea.

En la trama, el periodista Mikael Blomkvist (Michael Nykvist) y la joven Lisbeth Salander (Noomi Rapace) unen fuerzas para encontrar el paradero de Harriet Vanger, sobrina del industrial Henrik Vanger, desaparecida hace 30 años. Detrás de este caso se esconde un secreto familiar que revela conexiones con los nazis y donde impera un machismo que parecía superado en una sociedad como la sueca.

En Los hombres que no amaban a las mujeres, Salander es una chica dura de roer, con piercings y tatuajes en todo el cuerpo, siempre vestida de negro, acostumbrada a responder con monosílabos. Tras salir de una clínica psiquiátrica, queda al cuidado de un tutor que administra su dinero y que, para desgracia de Lisbeth, también abusa sexualmente de ella cuando se le da la gana.

El hecho de observar la vida de una hacker bisexual, con abiertas tendencias antisociales, caracter violento y rebeldía contra el género masculino, es lo que motiva al espectador a seguir frente a la pantalla, ese morbo con el cuál Larsson atraviesa toda su obra es finalmente el hilo conductor de una pobre trilogía. No es la denuncia social, ni la revalorización femenina, ni menos los casos policiales. Sino, el interés en descubrir la manera en que nuestra protagonista intenta rearmar su vida llena de vicios y adicciones.

El tratamiento cinematografico no deja de ser esquivo. Prima un formato de telenovela nacional, con dialogos entre los personajes donde la conversación no avanza y planos donde se nos introduce a escenarios que no se utilizarán nuevamente. De modo honesto, las tres cintas pueden ser divididos en capítulos de 22 mins. y transmitirse todos los días a las 23:00 como serie para adultos, pues de ejercicio de cine, Millenium no tiene nada.

Para más remate, ahora se viene la versión Hollywoodense (el afán de americanizar todo nunca cesa) que de seguro girará más en el morbo y menos en la historia. La recomendación, quedarse con los libros. Nota aparte al villano que se introduce en la segunda entrega de la trilogía. Un tipo que por una malformacion genetica no puede sentir ningun tipo de dolor físico. Se agradece la inclusión, pues alguna vez en mi loco paso por la universidad intentamos crear un cortometraje cuyo villano poseia la misma condición, y que gozaba autoflagelandose, la chica Leslie (mentora de aquel villano) obtiene una alta calificación en esta ocasión.

Calif: 5/10 Hackerbisexualesquesevistendepunks Awards.

Saludos CHAME

A proposito del regreso de FUTURAMA

2010-04-18T10:28:00.004-04:00

Unas pics que quería compartir hace un tiempo.

Dos Imagenes de este Fin de Semana con HOUSE M.D.

2010-04-18T09:49:00.003-04:00

La primera.
En una noche de confinamiento en la clínica, y atiborrados de aburrimiento, Foreman y Taub deciden pasar el rato con una pequeña sobredosis de las famosas "pastillas del Dr. House". Los resultados, hilarantes.

La segunda, muestra a 13 enseñando sus boobies a Taub luego de perder una ronda de "Truth or Dare" (verdad o desafío)

Review: "The Book of Eli" (2010)

2010-04-11T09:21:00.005-04:00

Advertencia: Spoilers

Los novatos hermanos Hughes juegan una carta segura teniendo a Denzel Washington ( a quién si expele un gas se lo compro) como protagonista de la cinta y a Gary Oldman (uno de mis actores favoritos, y el mejor villano de la historia de Hollywood) como su antagonista en la cinta. Pues esta película basa su historia en el carisma de su reparto por sobre un débil guión y aún más terribles líneas de dialogos que desaprovechan la fusión entre un panorama post apocaliptico y el fervor religioso. ", The Book of Eli" refiere a su protagonista, Eli, un viajero, un caminante errante, que recorre los caminos azotados por los azares de la guerra, una guerra que destruyó la capa de ozono y fulminó a todos los habitantes de la Tierra con su calor. El agua se convierte en un bien escaso, un bien preciado, así como pequeños atisbos de higene humana, un jabón, un shampoo, pasan a ser artículos de lujos en un mundo dominado por las mafias marginales de sobrevivientes al holocausto.

Eli tiene una misión, al menos así se lo dijo el cielo, la cuál es llevar el Libro de Los Secretos (que termina siendo el libro más vendido de la historia, del cual paradojicamente no queda ninguna copia, La Biblia) al Oeste, en ese lugar ese libro encontrará su proposito, su real destino. Así lleva 30 años nuestro protagonista, caminando lleno de fe y esperanza con un objetivo al parecer inalcanzable. En este mundo hóstil, ha debido enfrentarse a obstaculos y enemigos de todo tipo, lo que lo ha transformado en un hombre solitario y desolado. En el corazón de esta tierra desolada, un hombre llamado Carnegie ha construido un fuerte alrededor de una hermosa cascada. Él es un déspota con seguidores y hambre de poder. Por años ha estado buscando el Libro —una herramienta para unificar a los débiles y convertirse en su amo. "Crecí con él", le dice Carnegie a Eli, cuando se entera que Eli tiene el Libro. "Sé de su poder. Y si lo haz leído, lo sabes también".

Gary Oldman hace el papel de este enemigo. Un tipo ansioso de respuestas divinas, que ve en la Biblia le herramienta perfecta para dominar las debilitadas mentes de sus súbditos. A partir de ese momento es cuando la cinta se transforma en una guerra santa, una disputa fundada en la religión, de esas que todos conocemos, y sabemos que termina si vencedores definidos. Es una pena el desperdicio de la trama, pues "The Book of Eli" poseia los elementos argumentales para transformarse en una cinta de caracter metafisico en un paisaje apocaliptico. Por lo mismo, los mejores momentos de la película se logra en las escenas sin dialogo definido, amparados en la preciosa fotografía con que se trabaja, y ese tono grisaceo con el que se filmó. Es raro también ver a un Denzel tan anciano encarnando a un heroe de acción no vidente (lo cual se revela al final), no obstante su interpretación es perita, como su manejo con las armas, ¿Aún estamos a tiempo de resucitar al gran Denzel como prota de cintas de acción?. Gary Oldman por su parte, vuelve a demostrar lo grande que es, lo despiadado que puede llegar a ser, y como su sonrisa y carcajada significa que seguramente golpeará o asesinará a alguien. Le ha dado su toque personal a villanos psicologicamente centrados pero espirtualmente alterados. Las escenas de acción son notables. El tiroteo al interior de la casa de la pareja de ancianos es de lo mejor que se ha visto este año. Así como la pelea incial en la carretera donde Eli lucha con un grupo de delincuentes. Finalmente, "The Book of Eli" refiere a un capítulo de la nueva Biblia escrita por nuestro protagonista, una Biblia que intenta reconstruir la humanidad y brindar esperanzas a todos los seres humanos desamparados hambrientos de fe. Calif: 7,5/10 GaryOldman Awards.

Saludos. CHAMELO

Review: Defendor (2009)

2010-04-04T20:15:00.004-04:00

En la tradición nacional de "MirageMan", se instala este heroe suburbano norteamericano. Defendor no es el simple vecino envalentonado con ganas de figurar defendiendo a los débiles, Defendor es un ser noble, absolutamente carismatico, es el típico compañero incomprendido, es aquel raro sujeto que sigue soñando despierto caminando por las calles; Defendor es sin dudas aquella parte de nosotros que anhela luchar por la justicia y luchar por la verdad pero que paulatinamente se ha cobijado en el miedo y la cruda realidad. "Defendor", sin ser una gran película ni una gran apuesta visual, se ancla de nuestros sentimientos e identificaciones por el personaje encarnado por Woody Harrelson, un experto a estas alturas en retratar a seres disociales, incorrectos y poco usuales. El personaje principal resulta ser un sujeto con evidente retraso mental, de una infancia dura y traumatica, marcada por las drogas y la prostitucon, crece al lado de los comics e historietas de superheroes tipo Marvel. De un trance lento en su comienzo, en "Defendor" Peter Stebbings logra hilar un relato unipersonal en distintos tiempos de narración para desenlazar de manera ágil el enfrentamiento final de nuestro heroe con su eterno enemigo, Captain Industry (cuyo nombre refiere a un tierno e inocente juego de palabras). Buen debut del director (y escritor), el producto resulta más que decente pese a serias deficiencias de guión. Lo suyo es el relato dinamico y la buena construcción del personaje principal. Y gigante es Harrelson y su maravillosa capacidad de reinventarse en cada una de sus peliculas. Uno de los grandes talentos underground de Hollywood. Calif: 7,5/10 GarrotesdeTrinchera Awards.

Yo también quiero luchar contra la delincuencia con jugo de limón y canicas!

Un abrazo.
CHAMELO.

Black Rock: La historia detrás del barco.

2010-03-29T19:41:00.006-03:00

Si tuviese tiempo, me encantaría explayarme de la gran cantidad de conclusiones y especulaciones que arrojó el "Ab Eterno" de LOST, partiendo con un Richard paseando a caballo en las Islas Canarias y terminando por Jacob sosteniendo una copa con vino ilustrandonos con una metafora el verdadero sentido de la isla. No obstante, prefiero extenderme por una de las mejores escenas de la serie (por espectacularidad, detalle gráfico y por lo importante), el arribo del Black Rock a la isla. Dos grandes misterios de la mitología de la serie han sido desvelados al mismo tiempo: el motivo por el cual la estatua de los 4 dedos fue destruida y el porqué la Roca Negra acabó anclada en medio de la selva. Ambos fueron propiciados por un gran tsunami. Fue esto lo que golpeó la estatua y la hizo añicos, y al mismo tiempo impulsó al barco hacia la selva. Viendo la escena parece que es la Roca Negra quien golpea la estatua. y así lo afirma también Némesis cuando le dice a Richard que su barco la pasó por encima y la rompió en trocitos. Pero es imposible que sea así, ya que si eso pasara, lo que se hubiera roto habría sido el barco. La ola del tsumani es lo que teóricamente tendría fuerza suficiente para conseguirlo. Uno de los esclavos gritaba que la isla estaba protegida por el diablo cuando vio la estatua. Ése pudo ser otro de los motivos que llevaron a Richard Alpert a pensar que estaba en el Infierno. Los guionistas explicaron en su momento, de que este barco es el mismo que se ve en la Season Finale de la 5ta temporada mientras Jacob y su Nemesis conversan a la orilla de la playa, pese a las distintas condiciones climaticas con las que se muestran. El Black Rock iba tripulado por un grupo de esclavos de nacionalidad española donde se contaba a Ricardo (Richard Alpert), comandados por el capitán Hanso (pariente de Alvar Hanso, propietario de la Fundación Hanso y quien subvenciona la Iniciativa Dharma.). Hanso muere producto del tsunami, así como gran parte de la tripulación, no así Richard. Cuando el Humo Negro analiza al encadenado Ricardo, lanza 4 ráfagas de luz. Curiosamente, éste le perdona la vida al ver que Ricardo se arrepiente de sus pecados. Algo que contrariamente no hizo Eko, y por eso le acabó matando más tarde. La alegoría del infierno funciona en gran parte del episodio. La creencia de Richard de que se encuentra en el infierno nos hizo dudar por un momento aún a los más incredulos. Luego de tantas experiencias al borde de la muerte y con el crudo remordimiento del fallecimiento de su amada, es que Ricardo le pide a Jacob la vida eterna a cambio de convertirse éste en su mensajero personal.

Y el resto ya es historia.

Nos vemos en el 6x10

Un abrazo, Chamelo

The Venture Bros. Una serie de otro nivel

2010-03-28T21:06:00.005-03:00

Seguramente la mejor serie animada para adultos de la historia, nace a partir de una sátira a antiguas seriales de televisión, pero se fortalece a partir de un tremendo elenco con un particular sentido del humor, y un elemento poco común en la actualidad, un doblaje con personalidad muy potente.

Pocos conocen la maravilla del "Adult Swim" (una especie de Zona de Adultos para el canal infantil Cartoon Network) y son muchos más los que desconocen esta joyita de la animación gringa cuya animación resucita aquellos escenarios selvaticos de "Johnny Quest" entrelazado con un descarnado humor ácido pero brillante en su esencia. Las tramas giran frecuentemente en torno a la familia de un súper científico (Dr. Venture), compuesta por dos hijos púberes, un guardaespaldas sicótico y un asistente robótico con complejos de madre sobre protectora. Extremadamente Johnny Questiano ¿no? Pero la verdad es que estaríamos 100% equivocados si creemos que esto es todo lo que es.En realidad, los Venture Bros es más bien una serie llena de humor negro, que gira en torno al tema de fracaso y que exitosamente logra diseccionar la cultura pop, mostrándonos cuán fallidos y defectuosos son la mayoría de nuestros héroes de infancia. En algún lado leí que la serie tenía matices de Joseph Heller. Y la verdad no podría estar más de acuerdo.

Tomemos por ejemplo a ‘¿Estás ahí Dios? Soy yo - Dean’, capítulo en el que la familia Venture, atrapada por un súper villano pide un receso en el proceso de captura (haciendo uso de un código y una regla burocrática) debido al problema testicular de uno de los hijos. O ‘Chrysalis de la Edad Media’ en el que el doctor Venture decide usar un peluquín y recuperar su juventud yendo a un bar, solo para terminar contagiado de una enfermedad venérea que lo convierte lentamente en un insecto. O ‘Fantasmas del Sargasso’, capítulo inspirado en Space Oddity de David Bowie en el que un astronauta de nombre Mayor Tom (je), regresa de la muerte para despedirse de su esposa. Es más, el propio Bowie aparece como maestro de ceremonias en una boda al final de la segunda temporada.Christopher McCulloch, alias Jackson Publick creó “The Venture Brothers” en el año 2000, pensando más en una serie con actores o incluso un cómic, pero se dio cuenta de que seria demasiado costoso un proyecto de esta envergadura, así que salió a la búsqueda de un estudio para hacer una serie de animación.

Empezó con Comedy Central y su primer script fue rechazado, pero mas tarde descubrió Adult Swim franja horaria que forma parte de Cartoon Network (Time Warner), donde encontró el sitio apropiado para una animación enfocada a adultos. El Piloto se emitió en Febrero 2003 y la serie se empezó a emitir en Agosto de 2004 y ya se esta emitiendo la 4ª Temporada.

Venture Bros / Johnny Quest

Cada capitulo se burla directa o indirectamente de héroes y villanos del universo Marvel y DC y de toda la ciencia ficción en general y de sus fans; apologías a Star Trek, Star Wars, los 4 Fantásticos, James Bond, El hombre de Seis Millones de dólares o Big Foot son el pan de cada día de esta serie.

Cada temporada trae un “twist”, un giro inesperado de la historia y es necesario seguir muy atentamente los pequeños detalles y dialogos ya que casi siempre son parte de una historia aun mas grande.
Ademas cada season finale termina en un cliffhanger que te deja con ganas de mas, muchas preguntas en la cabeza y en las 4 temporadas que han sido emitidas hasta ahora, siempre me han sorprendido los desenlaces.

Personajes Principales

Hank Venture: El más Valiente y menos listo de los gemelos Venture, Hank tiene una personalidad mas aventurera, pero su ingenuidad, por no decir idiotez, no le permite ser útil. Fan incondicional de Batman y más curioso con las chicas, Hank siempre se mete en líos. Además, sentimental e ideológicamente se acerca más a su guardaespaldas que a su padre.

Dean Venture: Fácilmente podríamos calificar a Dean como afeminado, pero Dean es simplemente más tímido y desinteresado… un poco mas listo que Hank, tanto asi que su padre recuerda más amenudo su nombre que el de Hank. Esta infinitamente enamorado de la Hija de Dr. Orpheus, Triana.

Dr. Thaddeus S. “Rusty” Venture: Científico mediocre y mal padre, “Rusty” trata de vivir a la sombra de su padre, el Dr. Jonas Venture, pero fracasa totalmente. Además, a veces nota la antipatía a sus hijos y nos hace creer que simplemente no le importan. Adicto a ciertas Pastillas y con un mal temperamento, el Dr. Venture no es nuestro modelo típico de héroe, aunque si lo fue durante su infancia.

Brock Samson: Una maquina asesina y el alma de la serie, eso resume a Brock, quien trabaja cuidando las vidas de los gemelos y del Dr. Venture. Su arma preferida: su cuchillo, y no dudara en usar la fuerza para conseguir lo que quiere. Hank y Dean despiertan su lado mas paternalista, pero no por eso deja de ser seco y cortante, incluso con quienes él considera que son su única familia.

The Monarch: El autoproclamado archienemigo de la familia Venture es otro fracasado más en la serie (si, si, es una serie sobre el fracaso),. Es un hombre que no tuvo mejor idea que basar su disfraz en la mariposa Monarca y tiene a su disposición un ejército de esbirros inútiles disfrazados de mariposas, que por supuesto son lo mejor de la serie… los mejores diálogos vienen de El monarca y sus ayudantes (memorable el día en que no tenían nada que hacer y todos se quedaban sentados en sus puestos intentando averiguar que hacer con sus vidas)

Además de su pareja la Dr. Girlfriend, quien a primera vista es una voluptuosa mujer al estilo Jackie Kennedy, pero al escuchar su profunda voz nos hace cuestionar que esconde. El único objetivo del Monarca es acabar con los Venture, sin razón aparente, pero con una insistencia e ineptitud extraordinaria siempre ayudado de sus secuaces, un ejercito de hombres disfrazados que siempre cumplen sus ordenes, entre ellos estan #21 y #24 que son los unicos que han sobrevivido a todas las misiones.

#21 y #24
Ellos son los fieles soldados del ejercito del Monarca. Han luchado muchas batallas y han sobrevivido de milagro, tanto asi que hubo un momento en el cual los dos se creían invencibles.
Posiblemente los personajes mas queridos de la serie, porque son con quien mas se identifican los televidentes. Tanto 21 como 24 son expertos en temas irrelevantes, comics, películas, juguetes, internet… sus diálogos reclaman un amplio conocimiento de la cultura popular de los últimos 20 años… y de la boca de este par es de donde salen mas de 50% de las referencias culturales.

Dr. Byron Orpheus: EL Dr. Orpheous es un nigromante profesional. Según él, su trabajo es evitar que las sombras se apoderen de la realidad tal y como la conocemos. El Dr. Venture simplemente le odia, y le aguanta solamente porque Orpheous le alquila una habitación para el y su hija, Triana, que es una adolescente en plena fase gótica…

En uno de los comentarios que hizo para el DVD, Publick confesó que todo se trata del bello y sublime fracaso. “Hasta en el diseño mismo, todo tiene que ver con la muerte del mundo que soñaba con la era espacial. La muerte de las promesas del jet-age.” Doc Hammer, uno de los escritores y actores de voz, continúa con la misma idea:

“Es sobre el fracaso que nos ocurre a todos… Todos los personajes son unos fracasos en lo que hacen, pero son hermosos haciéndolo. El fracaso es divertido, y es bello y es la vida, y en verdad está bien. Y al final, esto es todo lo que podemos escribir porque en verdad nosotros también somos unos gigantes fracasos de mierda.”

EL DOBLAJE
Luego de tener la oportunidad de ver en Cartoon Network la versión latina de la serie, valoro mucho más el enorme trabajo del equipo de doblaje americano para personificar en cada una de sus actuaciones aquel elemento de la cultura pop gringa que lo hace tan particular. Brock Samson es por lejos el personaje más logrado, con una voz llena de carisma y rudeza fusionada con tintes de humor negro. Así también el "GO TEAM VENTURE!" es una delicia, pues conjugan a la perfección el caracter melancolico fracasado de la serie. De más está decir que el hecho de que la sexy Dr. Girlfriend posea una ruda voz masculina es un factor más a tener en cuenta a momento de resaltar el laborioso trabajo de la produccion de "The Venture Bros.".

Llega un momento, como pasa en Futurama, donde la serie resulta tan casi tan efectiva solo con el audio, como con imagenes, y ese es un gran logro que solo algunos han podido lograr. Por ultimo se agredece el esfuerzo hecho para mantener el reparto original de doblaje durante las 4 temporadas.

The Venture Bros, la serie que TU ya deberias haber visto.
Calif: 10/10 VentureBrosClonados.

Un abrazo, CHAMELO.

Reflexiones a la mitad de camino de LOST

2010-03-22T21:11:00.003-03:00

8 episodios han pasado. De un total de 16 que indicaran el final de la última temporada de la serie. Nos encontramos en la mitad de nuestro recorrido final para decir adiós a nuestros entrañables personajes. Aún así, el ritmo vertiginoso con que se apostó al relato en el comienzo de la 6ta temporada ha relajado su paso sembrando más dudas que certezas. El miedo es evidente. Con solo 8 capítulos en la cuenta ¿Alcanzaremos a resolver nuestras miles de preguntas que han surgido a lo largo de la historia de la serie? ¿Será la Linea Alternativa Temporal tan atractiva como su similar contemporáneo?. En lo personal me encantaba la idea de saber que eran 16 capítulos los que nos quedaban de vida, eso me generaba la idea de una conclusión, la imagen de que los guionistas no intentarían estirar la historia con fines económicos, sino que prevalecería los argumentos y las tramas, ahora con la mitad de la historia contada... tengo miedo, no lo puedo negar. Hemos llegado al ecuador de la final season de Lost casi sin darnos cuenta, la primera mitad de temporada ha sido cuanto menos, decepcionante, por no decir fallida, primero porque la trama alternativa está siendo aburridísima, aunque hay que decir que en estos dos últimos episodios están siendo más elaborados, y segundo porque la acción en la isla está evolucionando pobre, a trompicones, con cosas muy interesantes porque estamos hablando de Lost, pero con mucha paja, y los espectadores a estas alturas pensábamos que todo iba a ser frenético, es más nos habían dado todas las esperanzas que así sería por el fuerte hermetismo que rodeó a estos primeros episodios hasta su estreno, pues no era para tanto. La tarea está más que clara, cumplirla será un gran desafío. El consuelo para todos los seguidores... aún queda bastante tiempo para comenzar a entregar desenlaces y conclusiones, no obstante, ese cambio debe llevarse a cabo... AHORA! basta ya de capítulos de relleno.

Mi más sincera reflexión personal, saludos.
CHAMELO

Review: The Wolfman (2010)

2010-03-21T15:01:00.005-03:00

Back in business!

Tras un enorme parón creativo vuelve el AbueloCine con una cinta de bajo perfil durante este 2010, destrozada previamente por la crítica tras una circulación sin gloria por la cartelera nacional. "The Wolfman" retoma esa asquerosa senda de remakes productos del éxito de la saga de vampiros de "Crepúsculo", en la cual incluso participa la teleserie chilena "Feroz", un híbrido incoloro entre ambos productos anteriormente mencionados.

Esta cinta que nos invita a participar en los esquivos parajes de la licantropía ambientada en la época moderna, donde era muy fácil ligar todo tipo de hechos irracionales con explicaciones centradas en apariciones diabólicas y eventualidades relacionados con el demonio. En una época donde el sinsentido reina, surge la popular historia de un sujeto mitad bestia mitad hombre, cuyo destino se encuentra sellado a fuego por una maldición que persigue a quien sobreviva a una de sus feroces mordidas. Ahora bien, no lo neguemos, son pocos los que pueden decir que no conocen en absoluto la historia del Hombre Lobo, aullidos a la luna llena incluidos, transformaciones nocturnas, apetito insaciable, arrepentimientos matinales, etc; etc. Mal que mal, el excelente Jack Nicholson se encargó en su momento de brindarnos la mejor de la interpretaciones de la saga de Lobos Hombres.

Lo novedoso por donde pasa entonces. La verdad, no por muchas partes, la película apuesta a ser una entrega dinámica y entretenida para la pantalla gigante, su fortaleza principal, un buen elenco con trayectoria y los mejores efectos especiales contemporáneos a disposición. Se agradece por lo tanto que pese a las claras deficiencias de libreto las actuaciones se mantengan a la par. ¿Existe algo más ilógico que un actor que se llame Del Toro, haga de Lobo? ¿O que otro actor que actuó como El Zorro, haga de Lobo también? Tanto Benicio Del Toro como Anthony Hopkins son gigantes en la cinta, primerísimos planos a sus rostros muchas veces nos salvan de la escasa expresividad del escenario y del argumento de la pelicula misma. A esto se le suma a una madura Emily Blunt dando el salto cualitativo a los papeles serios, y al eternamente correctisimo Hugo Weaving cuyo entonación no nos puede quitar de la cabeza al Agente Smith de la trilogía Matrix. (Más el valioso aporte de Geraldine Chaplin como la gitana loca) No obstante esto, la historia deja bastante que desear, con enormes saltos argumentales y vanos intentos del director de profundizar en las razones y causas de esta maldición peluda. Es allí donde el maquillaje entra a jugar su papel, la escena de transformación a HombreLobo dentro de la clínica psiquiátrica se encuentra muy bien lograda, así como la persecución por medio del Londrés antiguo.

Son los efectos especiales finalmente los que sostienen a "The Wolfman" y permiten darle al espectador un espectáculo que haga valer su visita al cine (al menos el sentimiento de no perder el dinero en ello). Numerosas apariciones súbitas, explosiones viscerales y ataques frenéticos son la tónica de una cinta que no pasará a la historia pero que tampoco merece el basureo constante de los medios. Además que Hugo Weaving la yea pero en mala. Calif: 6/10 ChopysaullandoalaLuna Awards. Un abrazo de Hombre Lobo para todos.
CHAMELO.

Terremoto en Chile

2010-03-06T08:55:00.003-03:00

Como sabran el AbueloCine es chileno.
Y por tanto, este blog se encuentra en recesión hasta que se normalice la situación del país.
Muchas gracias a todos por sus saludos y preocupaciones.
CHAMELO

tenía algo preparado... pero, me voy de vacas.

2010-02-18T00:00:00.005-03:00

Era algo relacionado con Baby Jacob, y la pizarra de los elegidos que Locke, alias el "Tío del Humito", le muestra a Sawyer.

Tenía que ver con un Locke distinto, más racional, menos soñador, derrotado y dando clases como maestro substituto en una escuela pública, donde conoce al pesado profesor Benjamin Linus (en versión extra ñoña)

Y de seguro mencionaría algo sobre el buen Hurley, sus empresas y como siempre aparece para hacer un episodio maestro, aún más maestro.

Pero bueno será para otra ocasión, que duerman bien, que no se les aparezca Baby Jacob en sus sueños.

saludos

CHAMELO